A ideia é viver a “Copa do Mundo 2026” com estilo, integrando as cores da nossa seleção de forma autêntica, original e elegante, seguindo a tendência de valorização de tudo o que é artesanal. 

Seja para usar em barzinhos, estádios, trabalho ou pelas ruas, o importante é criar um visual personalizado e único para curtir os jogos do Brasil na Copa. 

Diversos influenciadores dão dicas bem legais em suas redes sociais para quem gosta do conceito de customização, DIY, sigla de Do It Yourself (faça você mesma, em português) ou upcycling (reaproveitamento criativo). 

O Viva a Cidade foi atrás de ideias descoladas, simples e práticas para quem deseja fazer sua própria roupa, acessório ou decorar sua casa para os jogos. 

Para arrasar com looks descolados 

Influenciadoras como Gabriela Felix (@gabimfelix),  Simone Bark (@simonebark) e Marie Castro (@mariecastrodiy) são ótimas referências. Elas ensinam a fugir do óbvio customizando camisas básicas, croppeds, coletes e corsets, com bordados, pedraria e a criar peças em crochê.

A influenciadora Gabriela Felix dá sugestões simples e ensina como usar tesoura, tiras e aplicações para transformar peças como camiseta, saia e top, sem precisar de costura definitiva. 

Customização de peças/Foto: Reprodução do Instagram

Simone Bark

Para quem gosta de aplicação, bordados e pedrarias, neste perfil encontra ideias criativas para transformar calças, camisas, e customizar peças para curtir a Copa no estilo. 

Faça você mesma/Foto: Reprodução do Instagram

Marie Castro 

A criadora de conteúdo artesanal traz tutoriais rápidos e descomplicados de peças temáticas da Copa. 

Vestido em crochê/Foto: Reprodução Instagram

Para buscar mais inspirações completas, você pode conferir as ideias de looks nas pastas de Ideias de Customização Copa no Pinterest. 

Plataformas como a Steal The Look oferecem inspirações reais de como celebridades e fashionistas estão adaptando a tendência nos looks. 

Para deixar sua casa no clima da copa

Mesa de sobremesas com doces coloridos. | Foto: Diego Martin Lopez / Getty Images

Com a proximidade do primeiro jogo da Seleção Brasileira na Copa do Mundo, o país já vive o clima esportivo.

As cores verde, amarelo, azul e branco prometem tomar conta das comemorações e fazer parte da decoração das casas para receber os amigos e familiares para torcer pelo Brasil. 

Essas e outras tendências foram apontadas na última edição da Celebra Show, principal feira de negócios do setor de celebrações da América Latina, promovida pela ABCasa Associação Brasileira de Produtos para Casa e Celebrações, realizada entre o final de maio e começo de junho no Expo Center Norte. 

Entre os itens de decoração a mesa posta que explora as cores da bandeira brasileira em itens como guardanapos de tecido, sousplats e trilhos de mesa, bandeirinhas e utensílios incluindo taças, canecas, copos, tigelas e baldes de gelo estão em alta.

Outros componentes como balões com modelos inspirados em bolas de futebol, camisa da seleção e bandeiras do Brasil, painéis de  LED transformam os espaços em celebração para curtir os jogos. 

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Desde o início, se posiciona fora da lógica da “Fuorisalone”, a feira de design de Milão, na Itália, e dos distritos tradicionais: não expõe em um lugar fixo, movendo-se pela cidade. E mostra que o design ainda não é produto: é protótipo, instalação, pesquisa material.

A edição deste ano contou com peças de 131 expositores, desde marcas estabelecidas e designers independentes até prestigiadas escolas de design, num panorama amplo de talentos internacionais.

Para acomodar tudo, ocupou dois espaços marcantes da cidade: a Villa Pestarini, edifício modernista, concluído em 1939 pelo arquiteto italiano Franco Albini, que permaneceu como residência privada desde então e nunca antes havia sido aberta ao público, e o Hospital Militar de Baggio, complexo histórico do exército da Itália, construído entre 1928 e 1931.

Visitação

Comecei o dia indo à Villa Pestarini que, diferentemente do Hospital de Baggio, receberia os visitantes com horário marcado, novidade que diz bastante sobre o crescimento do evento e a necessidade de regular o acesso a espaços tão frágeis.

Ao entrar, logo percebi que o local nunca deixou de ser uma casa. Albini a projetou em 1938, com apenas 33 anos, e durante todo esse período, ela permaneceu nas mãos de apenas duas famílias, preservada com rara fidelidade.

A escada de mármore branco de Carrara, as paredes de vidrocimento que filtram a luz, as divisórias deslizantes e os móveis originais ainda no lugar criam no imaginário uma ideia muito nítida de como era viver ali.

A Alcova convidou designers para dialogar com essa herança sem sobrepô-la.

A instalação mais comentada foi “Albini in Present Tense”, uma colaboração entre Patricia Urquiola, Haworth e Cassina, que reuniu peças icônicas de Albini, relançadas exclusivamente pela Cassina, incluindo uma poltrona de 1947, que ainda não tinha sido produzida depois disso.

Na cozinha, conservada no seu verde-água típico dos anos 1950, a Worn Studio, de Natalia Ortega, tomou conta do espaço com talheres de prata cheios de detalhes incríveis, louças, cestaria em vime com inserções em couro e uma cadeira marcante, com motivo de mão: objetos que combinam barro, madeira, pedra e vidro soprado num artesanato que resgata a memória artesanal.

Na varanda, peças da designer e arquiteta turca Sema Topaloğlu traziam a qualidade de vidro trabalhado, que chamou a atenção em diferentes pontos da semana, uma textura entre o artesanal e o escultural, que parece ser uma das linguagens emergentes do design contemporâneo, indo na contramão do imagético pasteurizado criado por IA (Inteligência Artificial).

Nos outros cômodos, a grega Kiki Goti apresentou móveis e iluminação feitos em mármore, produzidos pela Marble Sachanas; a maison parisiense ISSÉ estreou uma colaboração com Sophie Dries, explorando o potencial das fibras vegetais brutas; o coletivo japonês AtMa Inc transformou recortes de mármore em bancos, onde o encaixe entre os pedaços também vira elemento de destaque; e a Boccamonte trouxe o projeto “Houses in Progress”, uma homenagem à arquiteta milanesa Luisa Castiglioni, assistente de Albini e figura que merecia ser tirada do esquecimento.

Segunda parte

A dez minutos dali havia um outro universo. O Hospital Militar de Baggio é grande o suficiente para exigir o uso de mapa, distribuído na entrada, daqueles com a frase “você está aqui” impressa, para o visitante se localizar.

E era mesmo um lugar para passar o dia: a vegetação que avançou sobre o concreto, em décadas de abandono, criava um cenário pós-apocalíptico e poeticamente belo ao mesmo tempo, onde as pessoas resolveram improvisar piqueniques na grama, e um ponto da Davide Longoni, perto da Lavanderia, servia de convite para sentar, comer e respirar antes de continuar.

A padaria milanesa, parceira da Alcova pelo terceiro ano consecutivo, oferecia focaccias, pães e o seu famoso panettone artesanal, num balcão revestido com azulejos terracota, desenhados por Ronan e Erwan Bouroullec para a Mutina.

Na Lavanderia, estudantes da UMPRUM, Academia de Artes, Arquitetura e Design de Praga, apresentaram “Wasted Waste”, uma instalação performativa e imersiva, com uma esteira transportadora que carregava pilhas de roupas descartadas sem parar, chamando a atenção para a crise do desperdício têxtil global.

A AA School of Architecture de Londres dividia o espaço com projetos experimentais de alunos e ex-alunos.

A minha parte favorita foi a Casa delle Suore, um edifício do século 19, que chegou a abrigar as enfermeiras do hospital até os anos 1980. Com paredes descascadas revelando as diversas camadas de tinta que passaram por ali, nos três andares, cada sala tinha um designer ou instalação diferente, dos mais variados lugares e projetos.

O que atraiu o olhar imediatamente foi o uso do incenso em muitas das instalações: os criadores entenderam que o ambiente já falava por si e usaram aromas, luz baixa e música instrumental para acionar outros sentidos além da visão.

Worn Studio, de Natalia Ortega e Sema Topaloğlu, que já haviam marcado presença na Villa Pestarini, também estavam neste espaço, criando uma linha invisível entre os dois locais da Alcova.

Entre os momentos mais marcantes da visita, cito uma sala que parecia uma antiga capela, onde o Sten Studio apresentou “The Wedding”, uma instalação com móveis e castiçais belíssimos em mármore, ao som ao vivo da harpista Michela La Fauci (@michelarpa).

Na Igreja de San Martino, aberta pela primeira vez ao público nesta edição, uma névoa branca pairava no interior, de tanto incenso utilizado, e a luz baixa, com música instrumental, criava uma atmosfera propícia à contemplação.

No Tempio, o clima era mais experimental: a HEAD Genève apresentou “No One Sees Them Like We Do”, uma série de micro-arquiteturas e objetos que investigam a coexistência entre humanos e animais domésticos, repensando o design de interiores a partir de outras espécies que também habitam nossas casas.

Mármore e vidro

Se há um material que dominou esta edição, foi o mármore. Não o mármore de bancada ou piso, mas o mármore reinventado, em luminárias, castiçais, cadeiras e mesas de proporções escultóricas, presente nos dois locais da Alcova e em inúmeros outros espaços da semana, como uma escolha consciente, quase manifesta contra a produção massificada.

O vidro trabalhado foi outra linguagem recorrente, usada de forma escultural e artesanal.

No panorama mais amplo, o que se viu foi um design comprometido com sustentabilidade, com processos manuais e com a valorização do material.

Menos tendência, mais intenção.

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É essa a proposta do “Prada Frames”, simpósio anual criado em 2022 e curado pelo estúdio de design e pesquisa Formafantasma.

Gratuito e aberto ao público mediante agendamento prévio, o evento se posiciona fora da lógica comercial da semana, priorizando ideias em vez de produtos. Nas palavras da própria Miuccia Prada no lançamento: “As conversas sempre estiveram no centro da abordagem da Prada e da nossa investigação sobre o mundo.”

Em sua quinta edição, o “Prada Frames” chega a um dos endereços mais carregados de história de Milão: o complexo de Santa Maria delle Grazie, o mesmo que abriga a pintura “A Última Ceia” (“Il Cenacolo”), de Leonardo da Vinci.

Acredita-se que a Sacrestia, local escolhido para a realização do evento, tenha sido projetada pelo arquiteto Bramante (Donato di Angelo del Pasciuccio) no final do século 15, a pedido do duque Ludovico il Moro, o mesmo mecenas que encomendou o quadro a Leonardo.

Não é um espaço de acesso livre ao público, o que tornava a experiência ainda mais singular.

Veja detalhes do complexo de Santa Maria delle Grazie:

O tema desta edição foi “In Sight”, e o fio condutor foi a imagem: como ela é produzida, como nos afeta e o que significa viver numa cultura onde a representação muitas vezes prevalece sobre os fatos.

Em um momento em que os limites entre imagens criadas por humanos e geradas por algoritmos se tornam cada vez mais difusos, o simpósio trouxe vozes da filosofia, da teoria dos meios digitais e da crítica de design para debater o que realmente enxergamos, e o que acreditamos enxergar.

Foram nove talks, seis visitas performativas pelo complexo e uma sessão noturna especial, ao longo dos três dias.

O talk que vi, “Images, Algorithms, and Perception”, aconteceu numa segunda-feira à tarde, na Sacrestia, ao som da harpa da musicista italiana Elena Cantarutti, que nos recebia na entrada do espaço.

A sessão reuniu três mulheres com perspectivas distintas e complementares. A crítica de design britânica Alice Rawsthorn fez a introdução, contextualizando o tema e o momento atual. Ela é uma das vozes mais respeitadas do setor e defensora do potencial do design para enfrentar desafios sociais e políticos.

Joanna Zylinska, filósofa e artista polonesa radicada em Londres, combina escrita filosófica com prática artística e é autora do livro “The Perception Machine”, publicado pelo MIT Press.

Wendy Hui Kyong Chun, pesquisadora canadense formada em engenharia e literatura, dirige o Digital Democracies Institute, na Simon Fraser University, e investiga como o big data e o machine learning moldam e distorcem a nossa percepção de realidade. Sua apresentação foi provocante e questionadora. Vale muito buscar os trabalhos escritos por ela!

Havia algo de poeticamente irônico em debater inteligência artificial e imagens geradas por algoritmos dentro de uma sacristia do século 15, cheia de afrescos renascentistas nas paredes e armários de madeira entalhada em volta. O passado e o futuro na mesma sala.

Ao final, a Signora Prada garantiu um coquetel de networking no jardim do complexo, novamente ao som da harpa de Elena Cantarutti e com petit fours da Pasticceria Marchesi, histórica confeitaria milanesa que faz parte do grupo Prada.

Público, palestrantes e convidados trocavam ideias ainda com a cabeça cheia das questões levantadas dentro da Sacrestia. Num mundo onde eventos culturais cada vez mais priorizam o visual e o efêmero, o “Prada Frames” lembra que o pensamento também precisa de espaço para acontecer.

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Desde terça-feira, dia 21, a cidade funciona com uma galeria a céu aberto, graças à “Milan Design Week 2026”, evento que é referência mundial em tendências de design, arte, arquitetura e decoração, que vai até domingo (26).

Como em todas as edições, existe o “Salone del Mobile”, grande exposição em que marcas famosas apresentam suas novas coleções, e a “Fuorisalone”, com milhares de ativações espalhadas pela cidade. Algumas delas podem ser visitadas sem agendamento, e outras exigem registro prévio.

O “L’Appartamento by Artemest” é um dos projetos mais disputados do “Fuorisalone”, e sua quarta edição foi realizada no histórico Palazzo Donizetti.

Mesmo quem consegue entrar na agenda para ver as tendências desse espaço ainda pode ter de enfrentar uma fila de cerca de três horas.

Mas, ao subir os lances de escada que parecem saídos de um filme e, finalmente, cruzar a entrada do apartamento, todo o cansaço se esvai.

O teto inteiramente pintado é a primeira coisa que rouba o olhar.

Na sala principal, uma árvore de metal prateado ocupa o centro do ambiente, com um sofá de camurça ao redor, que transforma o espaço em algo próximo de um jardim interno aconchegante.

A partir daí, a descoberta de cada cômodo deixa o visitante um pouco desnorteado, sem saber direito em que prestar atenção primeiro: se nas cortinas, com tecidos ricamente trabalhados, ou nos espelhos com acabamento veneziano, que fazem você questionar se ainda existem artesãos capazes de um trabalho tão exímio.

E, sim, eles existem, e é exatamente essa a beleza da Itália: o apreço pela tradição, pela excelência, pelo feito à mão.

Num momento em que a maior parte do que consumimos vem de produção massificada, respirar num ambiente com tanta delicadeza e humanidade é genuinamente inspirador.

O conceito desta edição foi inspirado no “Grand Tour”, aquela viagem clássica pela Itália, que moldou o gosto europeu por séculos.

Sob o tema “Italian Grandeur”, cada cômodo evoca uma cidade italiana diferente: Veneza, Florença, Roma, Nápoles e Palermo.

Os cinco estúdios convidados, Charlap Hyman & Herrero, MAWD (March & White Design), Rockwell Group, Sasha Adler Design e Urjowan Alsharif Interiors, reinterpretaram cada ambiente usando exclusivamente peças artesanais italianas selecionadas pela Artemest, num diálogo entre design internacional e manufatura, italiana que nos faz repensar o que significa morar bem.

Conheça os ambientes:

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A aquisição de produtos de segunda mão nunca esteve tão em alta. Muita gente deseja adotar um estilo de vida mais consciente, conectado com os valores de uma sociedade preocupada com o meio ambiente.

Graças a isso, é cada vez maior a oferta de brechós na cidade, para clientes de diferentes perfis e bolsos.

A busca por exclusividade, por meio de peças ‘descoladas’, raras e de qualidade, também contribui para o crescimento do setor de second hand, no país e no mundo.

Prova dia é a criação do “Dia Mundial do Second Hand“, em 25 de agosto, iniciativa que incentiva a revenda de peças usadas e orienta uma redefinição do consumo de moda e decoração.

Segundo um levantamento feito em 2024 pelo Serviço de Apoio às Micro e Pequenas Empresas (Sebrae-SP), existem cerca de 1,8 mil brechós formalizados como Microempreendedores Individuais (MEIs) na capital paulista.

Também há cerca de 7.000 brechós em todo o estado, e a projeção do Sebrae-SP é que o setor movimente R$ 24 bilhões neste ano de 2025. Conheça algumas opções:

Brechós no Instagram

Populares em países da Europa e nos Estados Unidos, os brechós vêm, aos poucos, conquistando adeptos no Brasil.

Atualmente, as lojas e espaços físicos se destacam no varejo, bem como no e-commerce, o que também inclui redes sociais como o Instagram.

Um estudo do portal Catraca Livre sobre a mídia social da Meta mostra que o uso das hashtags “brechó”, “vintage”, “achados” e “garimpo” já ultrapassam os 5,9 milhões de menções.

Além disso, não é difícil encontrar perfis como o “Peguei Bode”, o “Fashion Recycle” e outros tantos que comercializam peças de mobiliário, roupas e artigos de luxo, vintage e retrô, novos e seminovos, com milhares de seguidores. 

Acessórios, como óculos e joias são itens disponíveis para compra em brechós. | Foto: iStock

Brechós ‘físicos’ em São Paulo 

Ir a brechós e ‘briques’ é um desafio que vale a pena, pois é uma experiência de compra que costuma ser acompanhada de muitas surpresas.

O segredo está em saber ‘garimpar’ as melhores roupas, móveis e outras peças raras.

E para quem quer se aventurar no ‘universo da segunda mão’, o Viva a Cidade apresenta um roteiro com seis lojas charmosas, em diferentes pontos de São Paulo. Veja a seguir:

1- Pretty New

O espaço de luxo foi fundado por Gabriella Constantino, em 2014, em Brasília (DF), e tem uma unidade em São Paulo, no Itaim.

O Pretty New é um lugar para comprar e vender produtos seminovos de luxo autêntico, que tem como diferencial uma minuciosa curadoria de peças, o que o faz ser conhecido por seus artigos sofisticados e de qualidade.

Todos os itens à venda são previamente avaliados e aprovados, o que garante a autenticidade de cada peça.

2- B.Luxo

Fundado em 2007, por Paula Rondon e Gil França, o B.Luxo é considerado um dos mais importantes vintage shop do Brasil.

Com uma loja física na capital, na Barra Funda, o estabelecimento tem ampla variedade de peças clássicas e únicas, a sua grande maioria ‘garimpada’ na Europa e nos Estados Unidos.

O acervo inclui desde objetos para decoração até roupas infantis.

3- Capricho à Toa

É considerado um dos maiores brechós do país, com mais de 30 mil peças no acervo.

A casa, fundada por Denise Pini, funciona desde 1978 como bazar, e foi transformada em brechó em 1991, com compra e venda de roupas masculinas, femininas, infantis, acessórios e calçados, tudo distribuído em dois andares.

4- Vó Judith

Localizado em Perdizes, esse brechó conta com peças de diferentes décadas.

Entre as roupas de grife, estão presentes marcas como Dior, Prada e Versace, entre outras.

A loja tem muitas araras e estantes, com roupas masculinas, femininas, infantis, bolsas e demais acessórios, em um ambiente simpático e charmoso.

5- I Need Brechó

O espaço, criado em 2015, comercializa roupas atuais e contemporâneas, mas também tem peças vintage, garimpadas por todo o Brasil e em diversos outros países.  

Vende produtos também em seu site, neste link.

6- Minha Avó Tinha

Aberto desde 1992, a loja tem um acervo com mais de 10 mil peças de época, entre as décadas de 1920 e 1990.

Também tem antiguidades, obras de arte, acessórios, louças, móveis e roupas masculinas e femininas. 

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A região é um destino imperdível para ver de perto a rica herança cultural paulistana. Visitar esses espaços é como fazer uma viagem no tempo, que vai da fundação da capital até a atualidade.

Para quem quer curte esse tipo de passeio, o Viva a Cidade lista 10 prédios históricos que ficam na região central de São Paulo, cuja visita vale muito a pena.

Todos mantêm uma agenda de visitas aberta para quem quer saber mais sobre a cidade e sua história. Veja:

1. Theatro Municipal 

Theatro Municipal: um dos mais importantes espaços culturais de São Paulo. / Foto: iStock

O Theatro Municipal de São Paulo é um dos mais importantes espaços e centros culturais da cidade, inaugurado em 1911.

Sua estrutura eclética é inspirada em modelos europeus e mescla elementos renascentistas, barrocos e art nouveau.

Além de receber apresentações de música, dança, teatro e outras manifestações culturais, o Theatro Municipal faz parte da história da cidade: o prédio majestoso foi palco da Semana de Arte Moderna de 1922, movimento iniciado por Mário e Oswald de Andrade e por Anita Malfatti.

Pelo Municipal passaram nomes como: Maria Callas, Villa-Lobos, Arturo Toscanini, Enrico Caruso, Ella Fitzgerald, Nijinsky e outros expoentes das artes, na primeira metade do século 20.

Para conhecer o espaço, há visitas e tours guiados, nos quais é possível admirar a arquitetura do prédio, conhecer sua história e importância para a cultura e as artes na capital paulista e no país.

Às terças-feiras e aos sábados (exceto feriados), as portas do Theatro Municipal ficam abertas para quem deseja ver de perto, de forma gratuita, sua bela arquitetura e elementos artísticos. A programação completa do local está disponível neste link.

2. Edifício Copan

Edifício Copan, no Centro, tem uma arquitetura majestosa. | Foto: iStock

Projetado pelo renomado arquiteto Oscar Niemeyer, o Edifício Copan é um dos mais famosos prédios de São Paulo e um exemplo da arquitetura modernista brasileira.

Inaugurado dez anos depois do início das obras, que começaram na década de 1950, o edifício é multifuncional: tem cerca de 1.100 apartamentos residenciais, lojas e salas comerciais, em seus 32 andares e mais de 115 metros de altura.

Destino popular de arquitetos, fotógrafos e turistas, só é possível conhecer a parte externa do prédio, já a visita aos apartamentos não é permitida, mas todos podem explorar as lojas e restaurantes localizados no térreo.

O Mirante do Copan, na cobertura do prédio, com uma vista panorâmica da cidade, é aberto à visitação. Veja as informações completas no fim deste texto.

3. Edifício Martinelli

O primeiro arranha-céu da cidade foi projetado pelo arquiteto italiano William Fillippi e construído na década de 1920. Localizado na Praça Ramos de Azevedo, o Edifício Martinelli é um símbolo do progresso e da modernização de São Paulo.

Com 30 metros de altura e 30 andares, o edifício foi projetado para abrigar apartamentos de luxo, com acabamentos sofisticados e ótima vista para a cidade.

Marco arquitetônico e histórico do Centro, o Martinelli está em obras, mas permanece aberto a visitas, que incluem o museu, com acervo riquíssimo sobre toda a história da construção e do empresário Giuseppe Martinelli, com fotos, documentos e objetos da época, e o terraço, com vista de pontos marcantes da capital, como a Catedral da Sé e o Theatro Municipal de São Paulo, por exemplo.

Ao chegar ao local, no hall de entrada do prédio, fica o Café Martinelli, onde é possível fazer uma pausa antes de conhecer a parte interna.

As visitas guiadas têm duração de 30 minutos, com informações sobre a história e a arquitetura do edifício, que também recebe eventos, como a “Design Week”, realizada em março.

A restauração do prédio faz parte do Projeto M100, criado em 2024 por iniciativa da administração, que consiste na reformulação do espaço, em comemoração a seu centenário.

Neste ano, começou a segunda fase do projeto, que tem o objetivo transformar o Edifício Martinelli em um dos principais destinos turísticos e culturais do país.

Informações sobre visitas guiadas, eventos e horários estão disponíveis aqui.

4. Catedral da Sé

A Catedral da Sé é mais um tesouro do Centro de São Paulo. | Foto: iStock

A Catedral Metropolitana Nossa Senhora da Assunção de São Paulo, conhecida como Catedral da Sé, é um dos maiores templos católicos do mundo e o principal espaço católico da cidade.

Construída entre 1913 e 1954, a majestosa estrutura é um dos símbolos da capital, com predominância do estilo neogótico. Tem 5.700 m2 de área construída, uma cúpula com 65 metros de altura e imponentes torres, com 92 metros cada.

Além da grandiosidade da arquitetura, seu interior guarda tesouros como a Cripta, no subsolo, onde estão os túmulos de figuras importantes da Igreja Católica.

Outros pontos de interesse são o Altar-mor, uma verdadeira obra de arte, o telhado, com vista panorâmica, além das diversas obras de arte sacra, vitrais e mosaicos importados da Itália.

Lá dentro também fica a estátua de São Paulo, padroeiro da cidade, e um dos maiores órgãos de tubo da América do Sul, com mais de 12 mil tubos e entalhe feito à mão.

Quem visita a Catedral tem a opção de fazer um brunch, com tour guiado pelo local. As condições, horários, valores e disponibilidades podem ser consultados aqui.

5. Edifício Itália

O restaurante Terraço Itália tem vista de 360º da cidade. | Foto: Reprodução/Instagram

Circolo Italiano é o nome oficial do conhecido Edifício Itália, que fica na Avenida Ipiranga, na região da Praça da República, no Centro de São Paulo.

Inaugurado em 1965, esse é outro prédio histórico que vale a pena visitar, pois é um exemplo da arquitetura verticalizada brasileira.

Essencialmente comercial, o edifício é o segundo maior prédio de São Paulo e um dos maiores do Brasil, e foi projetado pelo arquiteto alemão Franz Heeptem.

Com 165 metros de altura, abriga em seu interior o Museu do Relógio, o Teatro Itália e espaços para eventos e exposições.

Um dos maiores destaques do edifício é o restaurante localizado no rooftop, o famoso Terraço Itália.

Com uma vista de tirar o fôlego e culinária sofisticada, o restaurante comandado pelo chef Pasquale Mancini é um dos pontos mais frequentados por quem gosta de comer bem, sem abrir mão de uma paisagem incrível.

Para entrar no Edifício Itália, subir ao topo do prédio e desfrutar da vista panorâmica sem fazer uma refeição no local, é possível optar pela visitação ao terraço panorâmico, que fica no 41º andar.

Agenda e valores estão disponíveis no site do Terraço Itália.

6. Pátio do Colégio (Patteo do Collegio)

O Pátio do Colégio fica no Centro Histórico de São Paulo. | Foto: Reprodução/Instagram

O Pátio do Colégio é o lugar onde a cidade de São Paulo foi fundada, em 1554, pelos padres jesuítas Manuel da Nóbrega e José de Anchieta.

Trata-se de um complexo formado pela Igreja São José de Anchieta, o Museu Anchieta, a Biblioteca Padre Antônio Vieira e uma área de descanso, que abriga um café.

Ir ao espaço é mergulhar na história e na cultura da cidade de São Paulo. Para visitar todo o complexo do Pátio do Colégio, é necessário fazer agendamento prévio. Também há visitas guiadas e a possibilidade de conhecer o Museu Anchieta. 

7. Mosteiro de São Bento

Fachada do Mosteiro de São Bento, no Centro da capital. | Foto: iStock

Importante patrimônio histórico e cultural de São Paulo, o prédio do Mosteiro de São Bento é um exemplo da arquitetura colonial.

Localizado no Centro Histórico da cidade, foi fundado pelo monge Mauro Teixeira, em 1598, e abriga a Basílica Abacial de Nossa Senhora da Assunção, o Mosteiro e o Colégio e Faculdade de São Bento.

Na basílica, uma das principais atrações é a missa tridentina, celebrada em latim, aos domingos, às 18h, que também conta com apresentação de canto gregoriano. O coral ainda participa de outras missas: de segunda a sexta-feira, às 7h, sábados, às 5h50, e domingos, às 10h.

Outro destaque é a experiência gastronômica “Brunch no Mosteiro”, evento especial, realizado em alguns domingos, no refeitório do local.

Além disso, desde 1999, o Mosteiro de São Bento tem uma padaria, que oferece pães, geleias e biscoitos feitos pelos monges, a partir de receitas seculares, guardadas nos arquivos da abadia, e que podem ser compradas pelo público em geral.

Para quem conhecer o espaço, a visitação e a participação nas missas com cantos gregorianos podem ser agendadas com antecedência, pelo site.

8. Prédio da Bolsa e Museu da Bolsa do Brasil (MUB3)

Prédio da B3 abriga museu sobre a bolsa. | Foto: Reprodução/ Site

O prédio da bolsa em São Paulo é um edifício neoclássico, da década de 1940, localizado no Centro, no lugar onde, até 2005, funcionou o pregão em viva voz do mercado de ações.

Atualmente, o espaço é sede da B3 (Brasil, Bolsa, Balcão), a bolsa de valores de São Paulo, e abriga o Museu da Bolsa do Brasil (MUB3), que tem mais de 100 mil itens, como documentos, materiais audiovisuais e mobiliários, que contam a história das bolsas brasileiras.

O local tem exposições permanentes e temporárias, com entrada gratuita, mas com agendamento prévio obrigatório, que pode ser feito neste link, onde estão informações sobre as mostras, horários e a programação.

9. Palácio dos Correios

O Palácio dos Correios é um edifício emblemático da cidade. | Foto: Reprodução/Instagram Todos pelo Centro

Inaugurado em 1922, o Palácio dos Correios é outro edifício histórico de São Paulo, localizado no Vale do Anhangabaú, no Centro, criado como parte das comemorações do centenário da Independência do Brasil.

Abrigava, originalmente, a Agência Central dos Correios e Telégrafos, a maior do país por muitos anos.

Projetado pelos arquitetos italianos Domiziano Rossi e Felisberto Ranzini, do escritório Ramos de Azevedo, o prédio tem estilo com influências neoclássicas e renascentistas, e já abrigou o Centro Cultural Correios de São Paulo, atualmente fechado. 

Marco da arquitetura e da história da cidade, o prédio foi tombado pelo Departamento do Patrimônio Histórico (DPH). Neste ano, a estatal fechou um acordo com a prefeitura de São Paulo, cedendo o edifício por 15 anos, para uso da gestão municipal.

10. Solar da Marquesa de Santos

Ilustração de Natália Scronov, da fachada do Solar da Marquesa de Santos. | Foto: Reprodução da internet

O solar, que pertenceu a Domitila de Castro Canto e Melo, conhecida como Marquesa de Santos, de 1834 a 1867.

Localizado na rua Roberto Simonsen, antiga Rua do Carmo, faz parte do Museu da Cidade de São Paulo (MCSP), e é um raro exemplar das residências do século 18. 

Segundo dados do Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Arqueológico, Artístico e Turístico do Estado de São Paulo (Condephaat), o prédio foi construído em taipa de pilão e serviu de moradia para a Marquesa, a partir de 1834, após o rompimento da relação com D. Pedro 1^o.

O local funciona de terça a domingo, e está aberto à visitação, com entrada gratuita.

Que for ao solar, pode aproveitar para conhecer outros pontos do museu, composto por uma rede de 12 casas históricas, construídas entre os séculos 17 e 20, como a Casa nº 1 (Casa da Imagem), que preserva a memória fotográfica da capital, e a Chácara Lane, na rua da Consolação, onde funcionou a sede da Escola Americana, que deu origem à Universidade Presbiteriana Mackenzie.  

Também vale a pena ir ao Beco do Pinto, ou Beco do Colégio, antiga passagem entre o Solar  da Marquesa de Santos e a Casa nº 1. Veja mais informações aqui.

Serviço:

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O ponto de partida criativo 

Segundo Faisal, o processo de concepção do paisagismo começou com uma forte colaboração com a equipe de arquitetura.

“Buscamos referências em acabamentos, linhas e propostas para que o projeto de paisagismo se tornasse uma extensão natural da arquitetura”, explicou.

Ele destacou a importância de entender os desejos do cliente, o desenho arquitetônico e as premissas vegetais do terreno. 

No caso do Sequoia Blend 468, uma das estratégias foi verticalizar os elementos verdes, como cercas vivas, palmeiras e árvores, para ampliar a sensação de verde na área comum, que possui um espaço permeável e útil de jardim próximo à torre. Além disso, Faisal inovou ao propor uma rampa de acesso, ao invés de uma escadaria convencional, permitindo que moradores e visitantes desfrutassem do verde ao redor antes de ingressar no empreendimento. O painel atrás da piscina também se destacou como um elemento estético e conceitual forte, remetendo às ondas e ao movimento da água. 

Rampa de acesso do Sequoia Blend 468 | Foto: Divulgação

Inspirações e referências 

Quando questionado sobre suas inspirações, Faisal revelou que sua maior fonte de inspiração é a própria natureza, aliada à arquitetura do projeto.

“Os elementos desenhados pelos arquitetos nos inspiraram a criar o painel da piscina e a pensar em espaços de convivência agradáveis, onde as famílias possam compartilhar momentos”, afirmou. 

Desafios  

“Criar espaços verdes onde já há ocupação foi um grande desafio, mas também uma oportunidade de inovar e otimizar cada espaço disponível”, destacou.

Ele reforçou que o projeto é uma resposta às restrições urbanas, buscando oferecer uma experiência de lazer e convivência em cada cantinho. 

O conceito de “blend” 

O nome do empreendimento reflete a essência do projeto: uma mistura de usos, espécies, ideias e vivências. Faisal explica que o paisagismo busca criar uma harmonia entre esses elementos, promovendo uma experiência integrada e multifuncional para os moradores. 

Pontos altos do paisagismo 

Entre os espaços que mais se destacam, Faisal cita o acesso principal, com uma rampa que “flutua” no verde, marcada por um desenho ortogonal, mas com espécies tropicais que conferem um toque orgânico. A área da piscina também é um ponto alto, com uma escadaria com jardim, um painel que remete às ondas e vegetações tropicais de folhas largas, que criam uma atmosfera de relaxamento e sofisticação. 

Paisagista Marcelo Faisal | Foto: Acervo Pessoal

Tendências e futuro 

Faisal observa que, na cidade de São Paulo, áreas restritas para lazer estão se tornando cada vez mais comuns devido à ocupação urbana. Ele acredita que projetos como o Sequoia Blend 468 representam uma tendência de otimização de espaços, onde cada cantinho tem uma função social e de lazer. Além disso, o uso de espécies nativas ganha força, reforçando a importância da sustentabilidade e da preservação ambiental. 

Trabalho em equipe 

“Me sinto honrado em participar de um projeto com tantos profissionais renomados da arquitetura e interiores, esse projeto me representa pela sofisticação e simplicidade simultaneamente”, finaliza 

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Formado em Publicidade e Propaganda, Senk abandonou a área em 2014 para se dedicar exclusivamente à arte. Desde então, construiu um trabalho marcado pelo amadurecimento técnico e pela fidelidade a um estilo próprio, com forte influência do surrealismo e das memórias do sertão mineiro, especialmente do Vale do Jequitinhonha, onde viveu seu avô.

Senk trabalha com temas ligados à vida simples do interior, à espiritualidade e à cultura brasileira. Busca levar sua arte e sua mensagem a novos públicos e territórios, valorizando as origens e mostrando a beleza e a força de um Brasil muitas vezes invisível nas grandes narrativas culturais.

Em entrevista ao Viva a Cidade, o artista conta um pouco sobre sua trajetória e faz planos para o futuro.

Pintura “Sem título” (2023). | Foto: Reprodução

Como você começou sua trajetória na arte? Houve algum momento decisivo que direcionou sua carreira como artista?

Comecei com a música, acho que foi a primeira forma de arte com que tive contato. Depois, encontrei no desenho a forma de me comunicar com o mundo. Desde então, essa é a forma de expressar todos os meus sentimentos mais profundos. Com 15 anos, fiz meu primeiro grafitti na parede. Ali, minha mente explodiu; achei algo que me deixava anestesiado de todos os meus problemas enquanto o fazia. Sempre levei como hobby, até que, em 2014, após me formar em Publicidade e Propaganda, larguei tudo e decidi viver do que eu mais gostava de fazer: pintar.

Quais foram os principais desafios que você enfrentou ao longo do seu percurso artístico?

Primeiramente, foi entender que viver em um tempo diferente do que a sociedade diz ser o correto não está errado. O artista vive com seu relógio próprio. No meu caso, a inspiração não vem na hora do almoço e pinto até a hora de bater o cartão; ela vem e preciso, de fato, colocá-la para fora — é visceral. Talvez, nessa mesma hora, meus amigos estejam indo dormir para acordar às 6h e ir trabalhar, hora essa em que talvez eu esteja indo pra cama descansar.

Obviamente, no país em que vivemos, passamos por diversas outras dificuldades, principalmente onde a cultura nos é negada às margens da sociedade. A falta de entendimento nos cria estranhezas e, então, ocasiona a falta de interesse em entender o profundo que se encontra em uma obra de arte. Consequentemente, a superficialidade ganha forma e o valor das coisas se transforma. “Ver” valor em um iPhone, em nosso país, é muito mais fácil aos olhos da sociedade do que em uma obra de arte, que não terá seu prazo de validade vencido em dois anos. Mas o mercado vem mudando, e vejo um crescimento exponencial em novos colecionadores com idade entre 25 a 40 anos, com uma cabeça mais aberta para esse reconhecimento.

Imagem completa da obra que abre essa entrevista. | Foto: Reprodução

Você poderia nos contar um pouco sobre o seu processo criativo? Como nasce uma obra sua, desde a ideia até a finalização?

Meu trabalho tem inspirações fraternais. Começo sempre com uma inspiração, lembrança de algo que já vivenciei ou até mesmo uma história que ouvi e, então, parto majoritariamente para a escrita e descrevo o que quero passar com a imagem. Assim, enquanto escrevo, minha cabeça automaticamente já se inicia em um processo de criação de imagem e, como um álbum de fotos em nossos celulares, vou passando para o lado até chegar em algo que de fato se encaixe com a escrita.

Quais temas ou conceitos você costuma explorar nas suas pinturas? Há algum que seja mais recorrente ou que tenha um significado especial para você?

Meu conceito é baseado em meu avô paterno, garimpeiro e criador de gado no Vale do Jequitinhonha, em Minas Gerais. Minhas inspirações vêm da vida sertaneja e da simplicidade da felicidade que há nesses locais em nosso país. Atrelado a isso, uso o surrealismo para explorar ainda mais este universo pictórico e cheio de vida.

Como você enxerga a evolução do seu trabalho ao longo dos anos? Houve mudanças de estilo ou de abordagem?

Não vejo mudanças no estilo, acho que houve um amadurecimento na fala e, principalmente, na técnica. A vida no ateliê nos proporciona experimentações diárias que nos levam para lugares completamente inexplorados antes. Supostos erros podem, de fato, se transformar em algo novo. Passei da pintura para a escultura e foi mágico ver as personagens que antes habitavam somente em minha cabeça de forma “viva”; agora é tangível e habita no mesmo espaço que eu. Acho que me levou para um novo lugar em meu trabalho.

Quais trabalhos ou acontecimentos marcaram sua carreira até aqui? Algum projeto que tenha sido especialmente importante? Existe alguma obra sua que tenha um significado especial ou que represente um marco na sua trajetória?

Minha primeira individual fora do país foi muito marcante. Ver meu trabalho exposto em Nova Iorque, em uma das principais galerias de street art do país (Chase Contemporary), me deixou anestesiado ao ponto de entender o que de fato havia acontecido apenas tempo depois. No dia, pensava apenas em executar tudo corretamente e fazer dar certo. Mal sabia eu que já havia dado. Naquele mesmo dia, conheci alguns dos artistas que mais me inspiraram na vida. Foi muito intenso e abriu minha mente para o mercado mundial; me fez sair dos limites territoriais que existiam em minha cabeça para o mercado de arte. Para alguém que começou seus primeiros traços em São Mateus, um dos bairros mais perigosos da capital paulista, e nunca idealizou onde aquilo poderia levá-lo, foi muito importante — não só pela carreira quanto na vida pessoal.

Tela “No chão de terra batido, a brincar com meus amigos” (2024). | Foto: Reprodução

Quais são seus principais objetivos ou sonhos para o futuro na sua carreira artística?

Quero levar meu trabalho e minha fala para o máximo de pessoas e lugares possíveis. Tenho muito a dizer e levar para o mundo, fazer com que as pessoas possam conhecer um pouco de nossa cultura e nossa crença, que é linda.

Que conselho você daria para jovens artistas que estão começando agora?

Façam e façam repetitivamente, botem para fora, se expressem pelo que são, digam o que querem dizer sem medo de qual parede isso possa rebater. Só assim saberá, de fato, quem você é, os lugares em que te cabem e, o mais importante, os que não cabem. O mercado é muito grande e existem muitas formas de atuar. Entender qual é a nossa é muito importante para direcionar corretamente o futuro de nossas carreiras.

Fabiano Senk | Foto: Acervo Pessoal

Quais projetos ou novidades podemos esperar de você?

Desejo explorar mais as formas da escultura, pois me senti muito bem criando e é algo que quero ter mais como ponto de estudo. Trazer a figura humana em formatos mais surrealistas e com representatividade brasileira — aqui talvez pouco explorada nesse formato — e, em breve, uma individual em São Paulo para explorar com maior amplitude todas as formas que permeiam minha produção artística.

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Em São Paulo e em outras metrópoles é cada vez mais comum encontrar apartamentos compactos à venda ou para alugar.

Chamados de estúdios, quitinetes ou conjugados, esses imóveis podem ter entre 20 e 40 m2, mas a região central da capital tem um edifício, lançado há pouco mais de três anos, com opções de moradia com apenas 10 m2 de área total.

Organizar roupas, calçados, livros, eletroeletrônicos, eletrodomésticos e louças nestes espaços tão reduzidos é um verdadeiro desafio.

No entanto, com as orientações certas e um pouco de planejamento, é possível transformar esses apartamentos em lares funcionais e acolhedores.

Em entrevista ao Viva a Cidade, o arquiteto Paulo Tripoloni fala sobre as principais dificuldades e os erros mais frequentes na decoração de pequenos ambientes.

Ele, que está à frente do Atelier Paulo Tripoloni, também dá dicas valiosas para aproveitar melhor cada metro quadrado, sem abrir mão da estética e do estilo.

Dificuldades dos apartamentos compactos

Lidar com os excessos — seja de objetos, móveis ou referências — é uma das maiores dificuldades enfrentadas por quem vai decorar um imóvel compacto. 

Por isso, a orientação de Tripoloni é priorizar o que é realmente funcional para a rotina de cada pessoa.

Ele afirma que a escala dos móveis também deve ser uma preocupação: um sofá que parece ideal na loja pode ser grande demais para o espaço disponível, comprometendo a circulação do ambiente.

O mesmo vale para as portas dos armários, que exigem um espaço mínimo para a abertura.

“O segredo está em planejar com cuidado e escolher o que de fato cabe — física e funcionalmente — no espaço. Aqui, o minimalismo é um excelente guia: menos elementos e mais qualidade e intenção em cada escolha”, aconselha. 

Erros comuns

E a falta de planejamento é exatamente um dos erros mais frequentes na decoração de pequenos apartamentos pequenos, além do exagero na quantidade de móveis, o que torna os ambientes visualmente carregados e com pouca fluidez.

Para evitar esses problemas, o arquiteto recomenda uma abordagem minimalista, “com poucos elementos de destaque e muita atenção aos vazios, para manter a leveza do espaço“.

Outro erro comum é não medir os espaços antes de comprar móveis e equipamentos, o que pode comprometer a harmonia e levar a improvisos. 

Detalhes de um projeto assinado pelo Aterlier de Arquitetura Paulo Tripoloni | Foto: Divulgação

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O ‘esquenta’ começa já neste fim de semana, no sábado, dia 22 de março, com o Circuito SP-Arte by Blue Moon. São mais de 60 atividades e eventos culturais gratuitos, em galerias de arte e design de São Paulo.

Estão previstas visitas guiadas, aberturas de mostras, rodas de conversa e ateliês abertos, por toda a cidade, ampliando a experiência da feira para fora do Pavilhão. Segundo os organizadores, esse evento é uma vitrine para os projetos que vão guiar a programação das galerias e estúdios ao longo do ano. As atividades dessa agenda paralela vão até o dia 7 de abril.

A partir do dia 2, o Parque Ibirapuera recebe o evento principal, que conta com a participação de agentes do mundo das artes, que representam tanto artistas contemporâneos como históricos, dos séculos 20 e 21. Entre as galerias de arte confirmadas, estão Almeida & Dale, Fortes D’Aloia & Gabriel, Mendes Wood DM, Vermelho, Casa Triângulo e Luisa Strina, além de representantes da nova geração, como Flexa, Galatea, Mitre, Gomide&Co e Martins&Montero.

A SP-Arte também conecta o país com o cenário internacional, contando com galerias como Continua (Itália), Sur e Piero Atchugarry (Uruguai), Salar (Bolívia), RGR (México) e as estreantes Cecilia Brunson e Andrea Brunson (Reino Unido e Chile, respectivamente).

Estarão presentes não só galerias e estúdios, mas também editoras, revistas, museus, instituições e espaços autônomos, em uma programação intensa de conversas, lançamentos e ações educativas, durante os cinco dias do evento.

Biombo Arranjo, disponível na ,Ovo | Foto: Ruy Teixeira / Divulgação

Design em destaque

O design, que cresce a cada ano, ganha mais protagonismo na edição 2025. Entre os estúdios e marcas presentes estão Attom (Carlos Motta), Rodrigo Ohtake para Granistone, Lucas Recchia, Etel, Estúdio Rain, Ovo e Teo.

O destaque desse setor é a exposição “Inteligência Material”, com curadoria de Líva Debbane e Camilo Oliveira, da SP-Arte 2025.

A mostra explora as diversas formas de diálogo entre os designers e os materiais usados por eles ao longo dos processos criativos. Revela histórias, negociações, intuições e as possibilidades criativas que surgem dessa relação, evidenciando como os materiais influenciam e moldam o design. 

Peça desenvolvida pela designer Margarita Talep | Foto: Divulgação

Circuito Arte-SP by Blue Moon

Exposições, atividades diversas e eventos culturais gratuitos, em galerias de arte e design de São Paulo. Os eventos, em diferentes bairros, incluem aberturas e encerramentos de exposições, conversas, visitas guiadas e a possibilidade de conhecer e visitar ateliês de artistas e designers.

Tapeçaria em lã, de Jorge Cravo (c.1965), na galeria Passado Composto Século XX | Foto: Divulgação

Veja os detalhes da programação do Circuito SP-Arte by Blue Moon:

22 de março

. das 10h às 17h

Galeria Choque Cultural (Alameda Sarutaiá, 206, Jardim Paulista)

“Poppoor” – exposição individual do artista Jaca

. das 11h às 15h

Galeria Paulo Kuczynski (Alameda Lorena, 1.661, Cerqueira César)

“Não são coisas do cotidiano, só parecem” – exposição inédita de Eleonore Koch

. das 14h às 20h

Galeria Yehudi Hollander-Pappi (Alameda Lorena, 1.295, Jardim Paulista)

“Supernova 1572” – exposição de inauguração da galeria, com obras de artistas do Brasil, como Caio Carpinelli, Gustavo Silvamaral, Gregory Bastos e Iara Izidoro, e do exterior, como Adam Milner (USA), Adrian Villar Rojas (ARG), Anne Imhof (GER) e Miranda Fengyuan Zhang (CHN), entre outros.

. das 14h às 18h

Torres Galeria (Rua Vitorino Camilo, 427, Barra Funda)

“Jeane Terra: Pelo do Rio” – exposição individual de Janaina Torres Galeria

. das 11h às 18h

Casa de Cultura do Parque (Av. Prof. Fonseca Rodrigues, 1.300, Alto de Pinheiros)

“O Fiar – pontos, nós, corte” – exposição que reúne obras de cinco artistas que trabalham com artes têxteis, como bordado, tricô, costura e tecelagem.

. das 11h às 18h (de quarta a domingo)

Casa de Cultura do Parque (Av. Prof. Fonseca Rodrigues, 1.300, Alto de Pinheiros)

“Disparate” , ciclo expositivo de Helena Martins Costa, com manipulação de fotografias de arquivos e frames de vídeo.

. das 11h às 18h (de quarta a domingo)

Casa de Cultura do Parque (Av. Prof. Fonseca Rodrigues, 1.300, Alto de Pinheiros)

“Boca do mundo” – exposição de Fábio Menino, que resgata imagens de objetos vinculados ao mundo do trabalho manual.

(continua depois das fotos)

Conheça algumas obras da SP-Arte 2025

. das 11h às 17h

Art FaSAM Galeria (Rua Brigadeiro Galvão, 990, Barra Funda)

“No Tempo das Sutilezas” – mostra com curadoria de Giulia França, que explora a experiência sensorial do tempo e a cadência dos momentos, que revelam a profundidade das vivências.

23 de março

. das 14h às 20h

Casa SP-Arte (Alameda Ministro Rocha Azevedo, 1.052, Jardim Paulista)

Mostra Funil – do arquiteto Isay Weinfeld, organizada em colaboração com Lucas Jimeno

25 de março

. das 19h às 22h

Galeria Jacques Ardies (Rua Morgado de Mateus, 579, Vila Mariana)

“12 Caminhos” – mostra que reúne  12 artistas de arte popular brasileira e explora cores, formas e composições, que refletem a natureza e o cotidiano.

27 de março

. das 18h às 21h

Galeria Luisa Strina (Rua Padre João Manuel, 755, Cerqueira César)

“Mecânica dos meios contínuos” – conjunto de obras inéditas que explora o conceito de limite de resistência: os objetos e as instalações mantêm suas funções, apesar de parecerem à beira do colapso.

. das 19h às 21h

Act Editora / Livraria Megafauna (Rua Nestor Pestana, 196, Consolação)

Lançamento do livro  “Sonhos ao Sol – Miragens da Arte na América Latina”, com as presenças de Camile Sproesser, Rodolfo Parigi e Fernando Ticoulat

29 de março

. das 11h às 17h

Galeria Mario Cohen (Rua Capitão Francisco Padilha, 69, Jardim Europa)

“Pierre Verger – 66 Imagens, 20 Anos Depois” – exposição em homenagem ao fotógrafo, etnólogo e antropólogo francês, que dedicou seu trabalho à documentação da diáspora africana, especialmente na Bahia.

. das 11h às 15h

Galeria Nara Roesler (Avenida Europa, 655, Jardim Europa)

“Lina Bo Bardi – A Marvellous Entanglement,Photographs & Collages” – terceira exposição individual do cineasta e artista britânico Sir Isaac Julien, na galeria.

. Das 15h às 18h

Central (Rua Bento Freitas, 306, Vila Buarque)

“Sopra a ave-do-paraíso, voa longe a viúva negra” – mostra coletiva, que reúne mais de 20 artistas, com obras em diálogo com a “Viúva Negra” (1948), de Alexander Calder; com curadoria de Galciani Neves e parceria da Central com Eliana Finkelstein.

. das 11h às 19h

Hermes Artes Visuais (Rua Hermes Fontes, 167, Pinheiros)

“Visions of Love” – mostra coletiva que reúne trabalhos de Daniel Castilho, Luah Souza, Maria Livman, Sérgio Romagnolo, Silvio Dworecki e Susy Miranda Aziz.

“Circuito de Ateliê Aberto” – visita à produção e aos processos de Carla Chaim, Carlota Mason, Daniela Torrente e Débora Mazloum.

. das 14h às 19h

Desapê (Travessa Dona Paula, 7, Higienópolis)

“Arde Brasa – ocupação “É De Tal” – exposição do artista Diego Castro, com 49 obras sobre o arquivamento e apropriação de imagens de levantes nas mídias sociais.

. das 14h às 18h

Canteiro – Campo de produção em arte contemporânea (Rua Purpurina, 434, Vila Madalena)

“Desabamento de Textos” – mostra que resulta de um laboratório de experimentação, coordenado por Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino.

“Projeto Rampa” – projeto semestral, com artistas convidados; atualmente, conta com a ocupação do artista Ósi Magalhães, com a obra “Desnível”, na entrada do Canteiro.

“Ateliês Abertos” – visitação aos ateliês de sete artistas: Ana Clara Muner, Davide Mari, Guta Galli, Ivan Padovani, Mariana Guardani, Mariana Vieira e Thiago Navas.

“Rega” – visitas ao acervo do Rega, com obras de artistas residentes e convidados, disponíveis à venda.

. das 12h às 17h

Casa Triângulo (Rua Estados Unidos, 1.324, Jardim América)

“Vento Corta” – segunda exposição individual do carioca Zé Tepedino na galeria.

. das 11h às 15h

Galeria Passado Composto Século XX (Alameda Lorena, 1.996, Jardim Paulista)

“Melodias das Tramas – de Genaro de Carvalho a Jorge Cravo” – exposição com curadoria de Alejandra Munoz e Graça Bueno, que reúne obras de nove artistas tapeceiros, reconhecidos internacionalmente por suas criações únicas e pela sua sintonia com a identidade brasileira.

(Toda a programação do Circuito Arte-SP by Blue Moon está disponível no app da SP-Arte 2025)

A SP-Arte  nasceu em 2005 e completou 20 anos em 2024. Nestas duas décadas, contribuiu para a profissionalização, crescimento e promoção do mercado artístico nacional.  

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21ª SP–Arte

Quando: de 2 a 6 de abril de 2025

Horários:

dia 02: apenas para convidados

dias 03 e 04: das 13h às 20h

dia 05: das 11h às 20h

dia 06: das 11h às 19h

Onde: Parque Ibirapuera – Pavilhão da Bienal (Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, portão 3, Vila Mariana) 

Quanto: de R$ 50 (meia-entrada) a R$ 100 (inteira) 

Instagram: @sp-arte

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