Reconhecida por desenvolver uma linguagem que aproxima a dança contemporânea das danças urbanas e populares brasileiras e das experiências vividas nas periferias do Rio de Janeiro, Alice Ripoll constrói em seus trabalhos uma investigação sobre o corpo como espaço de memória, transformação e resistência.

Em “Lavagem”, realidade e fantasia se misturam em uma atmosfera de sonho apocalíptico, na qual o ato cotidiano de lavar ganha dimensões poéticas, históricas e sociais.

Com baldes, água e sabão, seis intérpretes constroem uma sucessão de imagens que evocam êxodos, travessias, rituais, renascimento e resistência. A água, a espuma e as bolhas transformam o espaço e os corpos, criando uma paisagem em constante mutação. Ao mesmo tempo, o gesto de lavar abre perguntas sobre aquilo que precisa ser limpo, apagado ou transformado.

A criação parte de uma ideia original de Alan Ferreira e reúne, no palco, Alan Ferreira, Hiltinho Fantástico, Katiany Correia, Rômulo Galvão, Tony Hewerton e Tamires Costa. O trabalho coletivo evidencia uma característica recorrente na trajetória de Ripoll: a construção de uma dramaturgia do movimento a partir dos repertórios, memórias e experiências dos próprios intérpretes.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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Além de sua estreia no Brasil em 2025, a obra foi apresentada pela companhia em sua turnê pelo México em maio de 2026. A montagem abriu o Festival El Aleph e passou pelo Centro Cultural Universitário da UNAM (Cidade do México) e pelo Teatro Juárez (Guanajuato).

A coreografia “Réquiem SP” apresenta um desafio e um exercício que estabelece um diálogo entre distintas linhagens de dança, como o balé, o jumpstyle e as danças urbanas e populares. A proposta investiga de maneira provocativa as possibilidades de articulação entre corpos, contextos e manifestações culturais, destacando as dinâmicas e a singularidade de uma cidade como São Paulo. Nesse cenário, o movimento do elenco vai além da técnica, atuando como matéria para explorar e compreender as interações do corpo com o ambiente.

Responsável pela criação, direção e coreografia, Alejandro Ahmed atuou como diretor artístico do Balé da Cidade de São Paulo de julho de 2023 até maio de 2026. Reconhecido como um dos coreógrafos mais destacados da dança contemporânea no Brasil, Ahmed desenvolve uma abordagem artística que investiga as correlações entre corpos, ambientes e tecnologias, investigando os limites dos corpos e as suas possibilidades de transformação.
O “Réquiem”, de György Ligeti, foi composto entre 1963 e 1965. A obra é uma composição para Coral e Orquestra, e traz em sua forma todas as características musicais do compositor hungaro sem deixar de lado a tradição musical de um Réquiem. Teve sua estreia em 14 de março em Estocolmo e se tornou uma das mais conhecidas de Ligeti, usada na trilha sonora de clássicos do cinema como “2001: Uma Odisseia no Espaço”, de Stanley Kubrick.

Ligeti dedicou nove meses exclusivamente à composição da seção “Kyrie”, com duração de seis minutos. Nessa parte, ele explorou a polifonia mais intricada de sua carreira, utilizando vinte linhas vocais. Apesar da complexidade, o musicólogo Harald Kaufmann destaca que essa abordagem mantém uma conexão com a tradição da polifonia vocal clássica dos antigos mestres. Além de Ligeti, será executada uma obra do músico eletrônico canadense Venetian Snares (Aeron Funk).

Com pouco menos de meia hora, a obra é dividida em quatro movimentos: “I. Introitus”, “II. Kyrie”, “III. Dies Irae” e “VI. Lacrimosa”. Segundo Maíra Ferreira, regente titular e responsável pela direção musical, é necessário um alto nível de sofisticação para executar o concerto.

Os ingressos estão disponíveis na plataforma INTI.

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Bruno é coreógrafo e performer uruguaio radicado em Lisboa. Sua prática artística dedica-se à investigação das relações entre coreografia e ficção, bem como ao trabalho com arquivos iconográficos e audiovisuais, por meio da experimentação vocal, sonora e corporal.

O espetáculo propõe uma ficção de excessos situada na fronteira entre dança, concerto e performance drag, tendo os gestos melodramáticos e a música como principais elementos de construção cênica.

Em cena, os pactos ficcionais, a teatralidade e o artifício são utilizados para desafiar convenções da representação e convidar o público a encontrar intimidade, afeto e emoção justamente no exagero.

Em “Melodrama: Senza Te”, Brandolino mergulha em um arquivo pessoal no qual o melodrama e a sensibilidade exagerada se encontram com sua trajetória como pessoa queer latino-americana. O espetáculo dá continuidade à pesquisa artística do criador sobre as possibilidades de construir ficções por meio da coreografia.

Partindo de referências e arquivos audiovisuais, o artista desenvolve práticas de incorporação vocal e física que transformam imagens, memórias e materiais de pesquisa em uma escrita cênica. O resultado é uma obra que transita entre diferentes linguagens performáticas, articulando dança, música e teatralidade para criar uma experiência marcada pela intensidade emocional.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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“Piracema”, coreografia de Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches, comemorou os 50 anos de atividades do Grupo Corpo em 2025. A obra tem música criada por especialmente Clarice Assad e, em seus três momentos, sugere uma viagem pela natureza, pelo mundo urbanizado e por uma distopia que pode ou não  ser revertida. Sua ideia central, a árdua jornada dos cardumes rio acima para desovar, cai com perfeição no cinquentenário do grupo mineiro, metáfora de recomeço constante da criação, de urgência e determinação.

Já Lecuona, coreografia de Rodrigo Pederneiras, apresenta onze canções românticas e uma valsa do cubano, criadas nos anos 1940 e 1950, todas banhadas a paixão e lágrimas. São recortes de um interlúdio onírico, da paixão e do sofrimento amoroso, banhados na música sofisticada desse criador de sólida formação na técnica clássica e incrível talento na seara popular.

Além disso, “Piracema” inaugurou a parceria de Rodrigo com Cassi, que em 2025 se tornou também coreógrafa residente do grupo; os dois trabalharam paralelamente, criando cada um seu balé, e reuniram suas concepções dois meses antes da estreia. Um método ousado, proposto pelo diretor artístico Paulo Pederneiras. “Lecuona”, por sua vez, representou em 2004 uma interrupção momentânea das encomendas de trilhas inéditas, adotada desde 1992; sua estrutura também é sui generis, com uma sequência de pas-de-deux – como as músicas de um LP – que culmina numa grande valsa, apoteótica, com seis casais.

Os ingressos estão disponíveis no Sympla.

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Com direção artística e coreografia de Renan Marangoni e direção técnica de Tati Santos, a nova obra do Grupo Corpo Molde faz apresentações gratuitas no Teatro Arthur Azevedo.

O espetáculo conclui a pesquisa dramatúrgica e coreográfica iniciada em “Sapiens” (2022) e aprofundada em “Djovenski” (2024), obras que investigam as questões humanitárias sob diferentes perspectivas.

No palco, dez bailarinos dividem o espaço com dez grades metálicas, criadas pelo cenógrafo Rager Luan, que deixam de ser apenas objetos cênicos para se tornarem elementos vivos da dramaturgia. Ao longo de sete cenas, elas assumem diferentes configurações, criando paisagens, fronteiras, abrigos, prisões e territórios em constante transformação. A cenografia se modifica continuamente, acompanhando um percurso que revela um corpo em permanente estado de tensão, silêncio, vazio e sobrevivência.

“3ª” constrói uma experiência física e imagética em que o movimento investiga as marcas deixadas pelos conflitos do passado e seus reflexos no presente. A coreografia observa o corpo como um arquivo vivo da história, capaz de carregar memórias individuais e coletivas, revelando estados de guerra, vulnerabilidade, pertencimento e resistência.

A entrada é gratuita. Os ingressos são distribuídos 1h antes de cada apresentação.

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Composta por bailarinos em fase final de formação e recém-formados pela Escola do Teatro Bolshoi no Brasil, a Companhia Jovem reúne talentos que já despontam no cenário da dança nacional e internacional. O grupo funciona como uma ponte entre a formação acadêmica e a carreira profissional, levando ao público espetáculos que unem excelência técnica, sensibilidade artística e a força da nova geração do balé brasileiro.

A primeira parte do espetáculo apresenta uma seleção de trechos de alguns dos balés mais emblemáticos do repertório clássico. O público poderá conferir o lirismo de “O Quebra-Nozes”, ao som da consagrada trilha de Tchaikovsky; a intensidade e o virtuosismo técnico de “Don Quixote”, conhecido pelos desafiadores 32 fouettés da personagem Kitri e pelos saltos de Basílio, além de “O Corsário”, uma das obras mais marcantes do ballet clássico, reconhecida por sua força cênica e riqueza coreográfica.

Na segunda parte, a cena é ocupada por “Kaori”, criação contemporânea do coreógrafo William Almeida. Integrante do repertório da Escola do Teatro Bolshoi no Brasil desde 2018, a obra se destaca pela intensidade física, velocidade dos movimentos e expressividade. A coreografia desafia os bailarinos a combinar precisão técnica e interpretação, proporcionando uma experiência envolvente para o público.

Os ingressos estão disponíveis no Sympla.

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A montagem propõe um percurso coreográfico em que o movimento circula continuamente entre os corpos. Inspirada por diferentes danças sociais, a obra explora gestos, deslocamentos e repetições para refletir sobre formas de convivência, resistência e transformação. Em cena, o ritmo deixa de ser apenas marcação temporal para se tornar uma experiência compartilhada.

A criação também amplia a pesquisa desenvolvida por Clarissa Sacchelli sobre a coreografia como ferramenta de reflexão artística e sociopolítica. Ao lado de Laura Salerno, colaboradora de longa data, a artista constrói uma cena em que dança, luz e som são concebidos conjuntamente desde o início do processo criativo. A operação da luz deixa de exercer apenas uma função técnica e passa a integrar a composição coreográfica.

Com duração aproximada de 45 minutos, “Suingue” transforma o palco em um espaço de experimentação, no qual ritmo, gesto, luz e som se entrelaçam para criar uma experiência sensorial que convida o público a refletir sobre outras maneiras de perceber o tempo e estar junto.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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Com duração de 45 minutos o espetáculo pode ser assistido por diversos sentidos  e parte da pergunta: “Se um sorriso negro traz felicidade, agora imagine muitos?”. Inspirada no livro “Flutuantes”, da escritora Rosana Rios, a obra investiga as corporalidades das crianças negras, transformando o riso em linguagem coreográfica.

Em cena, as artistas Paula Salles e Jô Pereira conduzem uma experiência em que rir também é dançar. O espetáculo propõe reflexões sobre a importância de garantir às crianças negras o direito à alegria, ao brincar e à existência plena, em um contexto social ainda marcado pelo racismo e pela violência contra crianças e adolescentes negros.

A Ouvindo Passos Cia de Dança desenvolve uma pesquisa artística denominada “Poéticas de Interferência”, na qual a dança se constrói a partir da criação de vínculos entre artistas e público. A companhia busca compreender de que maneira esses vínculos promovem o acesso à ancestralidade negra, bem como refletir sobre os recortes raciais que atravessam as experiências e relações na sociedade. Seus trabalhos adentram o universo da gestualidade como possibilidade de transformar o corpo em um território de conexões e sentidos, coreografando gestos a partir de falas, escutas, crenças e risos das pessoas.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

Nesta montagem, o “Xirê” também é acessível às crianças com deficiência visual, com a audiodescrição integrada à cena como um recurso que convida e faz a imaginação dançar.

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Pensada para ser uma peça leve, a obra se estrutura como uma colagem de cenas independentes, tecidas delicadamente com ironia e humor, que transitam entre as linguagens do teatro e da dança. A peça faz do realismo mágico latino-americano um barco para navegar pelos dois grandes mistérios que têm movido a criação poética de todos os tempos: a vida e a morte, temas universais por excelência.

“Temporalmente Vivos” descortina-se como um contínuo surgir e desaparecer de imagens, como se fosse alguém mudando de canal em uma TV. Ao longo da montagem, o público acompanha 15 cenas independentes, sem uma ligação explícita entre elas. 

 As situações representadas na peça oscilam entre o ordinário e o extraordinário, o naturalismo e a caricatura. Gustavo e Maurício alternam-se no palco, com textos que passam por temas como a guerra, a extinção, o amor, a festa, a admiração pelo universo vegetal, o fanatismo religioso, a ciência e algumas memórias do conflito armado na Colômbia. 

Outro elemento de destaque na montagem é a dança. A encenação explora uma gestualidade híbrida, em que movimentos cotidianos e abstratos se misturam para criar uma “quase fala” que gera fascinação pelas intensidades e tipos de presença que se desenham no corpo.  

 Dessa forma, o espetáculo reforça o interesse pelo mistério e a beleza de nos sentirmos parte de uma sinfonia cósmica, em meio a uma intensa busca por leveza em nossa passagem pelo mundo.

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Desenvolvida durante residência artística no Nos en Vera – Espacio de Investigación y Experimentación en Artes y Prácticas Performativas, em Buenos Aires, a criação estabelece um diálogo entre memória urbana, ancestralidade e experimentação cênica.

Inspirada na ave saracura, a performance constrói uma narrativa em que rio e ave deixam de existir como elementos distintos e passam a compor uma mesma travessia poética, marcada por transformação, deslocamento e reinvenção.

A obra parte da intersecção entre raça, gênero e território para questionar a lógica binária herdada da colonialidade. A travestilidade ocupa o centro da criação como linguagem estética e política, enquanto referências à dualidade dos ibejis e à cultura Ballroom atravessam a cena como estratégias de resistência, multiplicidade e criação de novas possibilidades de presença.

Sem recorrer a uma narrativa linear, SARAKURAS propõe uma experiência sensorial em que voz, silêncio, ruído, movimento e imagem se transformam continuamente. O corpo deixa de responder a categorias fixas para tornar-se arquivo, paisagem e espaço de invenção.

A parceria entre Ayo Klunga e Kyra Reis teve início em 2019. Naturais do Vale do Paraíba (SP), as artistas desenvolvem uma pesquisa continuada sobre performance, corporalidade e travestilidade, aprofundada após a mudança para a capital paulista e expandida durante o processo de criação realizado em Buenos Aires.

Ao estrear no Sesc Avenida Paulista, SARAKURAS estabelece um encontro entre memória urbana, arte contemporânea e experiências dissidentes, propondo ao público uma reflexão sobre os modos como os corpos ocupam, transformam e reinventam a cidade.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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