“BOCA” surge das pesquisas, das vivências de cria e das trocas dentro do grupo. A peça nasce da vontade de organizar essas experiências em uma linguagem cênica e nomear essa fome de existir, falar e dançar.

 “BOCA” marca um movimento importante: a história do passinho é narrada por artistas que ajudaram a construir essa cultura. Formado em 2021, o Grupo Corre reúne dançarinos com a ideia de ampliar seus espaços de atuação e afirmar essa linguagem para além das batalhas, festivais e intervenções urbanas.

A montagem traz uma visão abrasileirada do corpo e da boca como princípio criador a partir da ideia de “come o que precisa, cospe o que quiser e não responde à espera de ninguém, nem devolve o mundo limpo”. A obra dialoga diretamente com a cena do funk carioca, especialmente com o Passinho Foda, estilo de dança e movimento urbano originário dos bailes funks das favelas cariocas no início dos anos 2000.

Em “BOCA”, as referências conversam com as culturas afro, vogue e hip hop, mas mantêm sua origem na diversidade do passinho ao unir frevo, capoeira e samba. Em cena, cada um dos onze intérpretes carrega no corpo sua trajetória, sua relação com a favela e sua identidade em constante transformação.

A criação dialoga com um texto-base de referência conceitual e pesquisa do diretor artístico e pesquisador de movimento Léo Garcia, que traz o conceito de Èṣù Onã Ebo como ponto de partida. A partir dessa ideia, a dramaturgia combina urgência, repetição e excesso não como desordem, mas como princípio organizador da cena. O funk aparece como prática de mundos: indisciplinada, rítmica, coletiva, acima da moral e da ilusão do bem e do mal. O funk, assim como Èsú, é a boca que tudo come. 

Durante aproximadamente uma hora, o espetáculo percorre diferentes atmosferas que fazem parte da memória coletiva dos integrantes do Grupo Corre e também do movimento funk: a celebração, o humor, a convivência entre amigos, as batalhas de dança e a comunicação entre DJ e público são apresentados ao público e também há momentos de tensão e violência. 

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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A iniciativa inaugura um formato inédito de ocupação artística, marcando a primeira produção autoral do Instituto Capobianco após sua reabertura. Ao longo das residências, Beatriz Sano e Cristian Duarte apresentam, ao todo, seis espetáculos de repertório, duas aberturas de processo, dois workshops e a ‘Mostra Cinestesia’, com a exibição de três filmes. A programação inclui ainda ações voltadas ao encontro entre artistas e público, incluindo uma intervenção urbana e uma atividade participativa em dança entre os dois artistas.

“Assim como as forças tectônicas transformam a paisagem de maneira lenta e muitas vezes invisível, acreditamos que a dança e o movimento também têm a capacidade de produzir deslocamentos profundos nas formas como percebemos, convivemos e habitamos o mundo”, explica Mariano Mattos Martins, programador do Instituto Capobianco. “A TECTÔNICA nasce desse entendimento: como uma plataforma dedicada ao corpo em movimento, à criação artística e aos encontros que geram novas possibilidades de pensamento, presença e relação com o nosso tempo.”

Cristian Duarte e Beatriz Sano desenvolvem trajetórias distintas e complementares na dança contemporânea, ambas marcadas pela investigação do corpo em relação ao movimento, à linguagem e aos processos colaborativos de criação.

Beatriz Sano desenvolve trabalhos com ênfase nas relações entre voz e movimento, em parcerias contínuas com artistas como Eduardo Fukushima, Júlia Rocha e Isabel Ramos Monteiro, consolidando uma trajetória de circulação e projeção nacional e internacional por meio de residências, festivais e colaborações entre Brasil, Japão e Europa.

Já Cristian Duarte constrói uma prática voltada à criação de plataformas independentes de experimentação em dança, articulando projetos, formações e processos coletivos por meio de ‘Cristian Duarte /em companhia’, iniciativa dedicada a produzir contextos de pesquisa, criação e convivência em dança contemporânea na cidade de São Paulo.

A plataforma se estrutura como um espaço contínuo de pesquisa, criação e desenvolvimento de linguagem, reafirmando o compromisso do Instituto Capobianco com a produção artística contemporânea e ampliação de seu campo de atuação.

Acompanhe a programação completa no website ou nas redes sociais do Instituto Capobianco. Os ingressos estarão disponíveis no Sympla.

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A performance nasce da percepção de que a contemporaneidade está marcada pela aceleração permanente que torna a velocidade uma condição estrutural da forma como se produz, consome, comunica e se cria relações humanas. Nesse contexto, as pessoas ficam expostas diariamente por um volume de informações, imagens, crises e demandas que excede a capacidade de assimilação e integração. O que mais interessou à artista observar foram os efeitos dessa dinâmica sobre o corpo.

A imagem do trovão, trazida no título da obra, tem uma função metafórica relevante para a concepção do solo por ser um fenômeno de reverberação, a atmosfera respondendo a uma descarga acumulada. A terra molhada evoca a absorção, fertilidade e transformação, já que um solo molhado conduz eletricidade melhor do que um solo seco. Além disso, na natureza as tempestades não produzem apenas destruição; elas também redistribuem energia, renovam ciclos e fertilizam ecossistemas. 

 Trovão é uma das formas mais antigas da Terra “falar”. Entre contenção e iminência de transbordo, a obra busca, na multidimensionalidade, recursos de reavivamento. Convoca modos de presença que não recuam diante da sobrecarga, não como espectador externo ao desastre, mas como parte de uma rede que metaboliza o impacto em campo vibrátil compartilhado.

 A dramaturgia, criada em parceria com Iaci Lomonaco, pretende criar condições para que o público saia tendo vivido uma experiência sinestésica ressonante. Ao se aproximar do pensamento da filósofa Donna Haraway, a coreógrafa propõe o exercício ético e estético de “ficar com o problema”, recusando saídas fáceis do otimismo tecnológico ou do niilismo paralisante.

 Os ingressos estão disponíveis no Sympla.

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O espetáculo celebra os 16 anos de trajetória da companhia ao reunir, em formato pocket, cenas e coreografias que marcaram diferentes momentos de sua história artística. A montagem oferece ao público uma experiência que percorre a evolução estética e criativa do grupo. Em uma combinação de dança, acrobacia aérea e teatro físico, a apresentação sintetiza a identidade artística que consolidou o Grupo Ares como referência nacional na linguagem da dança vertical e das artes aéreas.

Fundado em 2008 por Mônica Alla, artista que iniciou sua trajetória no Circo Escola Picadeiro, o Grupo Ares tornou-se referência nacional pela pesquisa em dança vertical, acrobacia aérea e ocupação artística de espaços urbanos. A companhia desenvolve espetáculos que exploram a verticalidade por meio de aparelhos aéreos e utiliza prédios, fachadas, praças e estruturas urbanas como elementos dramatúrgicos da cena.

Pioneiro em técnicas contemporâneas como o site specific, o grupo realiza montagens em edifícios e complexos urbanos projetados por arquitetos renomados, integrando arte, arquitetura e cidade. Em cena, os espetáculos abordam temas como amor, coragem, imaginação e condição humana, sempre articulados por uma estética que mistura virtuosismo técnico e delicadeza poética.

A trilha sonora original, assinada por Sérvulo Augusto, percorre diferentes universos musicais, do erudito ao pop, passando pelo rock, valsas e músicas instrumentais brasileiras.

A entrada é gratuita.

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Conduzida pelo coreógrafo Jorge Garcia, a montagem utiliza a canção-título do compositor como ponto de partida para explorar os movimentos contemporâneos, lúdicos e sensíveis que dão vida à noite paulistana.

O espetáculo consolida o encontro entre o legado de um dos maiores expoentes da Vanguarda Paulista e a trajetória de quase 50 anos da companhia de dança, uma das mais tradicionais do país. A concepção de “Que Tal o Impossível?” transporta o público para um cenário predominantemente noturno, inspirado nos bares, palcos e performances que o próprio Itamar frequentava e transformava na São Paulo das décadas de 1980 e 1990.

A pesquisa coreográfica se debruça sobre essa atmosfera urbana para construir uma composição visualmente marcante, na qual os corpos dos bailarinos se misturam a elementos cenográficos potentes que recriam a poesia e o caos da vida noturna da cidade. Longe de ser uma biografia linear, o espetáculo propõe um mergulho no instinto e na teatralidade de Itamar Assumpção, transformando suas provocações rítmicas em gestos.

Ao unir a musicalidade pulsante do artista com o vigor técnico da Cisne Negro, “Que tal o impossível?” apresenta- se como um mosaico cultural em movimento, costurando nostalgia, modernidade e o eterno espírito vanguardista de São Paulo.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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Com direção artística de Adriana Assaf, o espetáculo revisita um dos títulos mais celebrados do repertório clássico mundial. Com música do compositor russo Piotr Ilitch Tchaikovsky e coreografia original de Marius Petipa e Lev Ivanov, “O Lago dos Cisnes” estreou em 1877 no Teatro Bolshoi, em Moscou, e permanece como uma das produções mais executadas e admiradas nos palcos internacionais.

Dividida em quatro atos, a narrativa acompanha a história do príncipe Siegfried e de Odette, jovem transformada em cisne por um feitiço lançado pelo feiticeiro Rothbart. Entre encontros, desafios e promessas de amor, a trama aborda temas universais como amor verdadeiro, sacrifício, esperança e redenção.

Foto: Iari Davies

Além dos protagonistas Odette e Siegfried, a história reúne personagens marcantes como Odile, a Rainha-Mãe e Rothbart, figuras que contribuem para a construção do universo dramático e poético da obra.

Reconhecida pela combinação entre virtuosismo técnico e forte carga emocional, a produção da Cia Paulista de Dança busca preservar a tradição do balé clássico ao mesmo tempo em que aproxima novos públicos de uma das narrativas mais populares da dança mundial.

Os ingressos para a sessão extra já estão disponíveis para venda neste link.

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Na performance, Santamaria apresenta ao público a primeira aparição cênica de La Caballota, criatura híbrida que transita entre o animal, o mítico e o humano. A performance de dança contemporânea investiga questões ligadas ao corpo, à transformação e à ruptura de normas sociais e identitárias.

Em cena, La Caballota emerge como um corpo que se recusa a obedecer às categorias impostas de gênero, espécie ou comportamento. Sua presença instaura um território de potência, metamorfose e liberdade, propondo uma experiência sensorial que atravessa diferentes estados físicos e simbólicos.

Natural da Cidade do México, Sebastian Santamaria Barajas é bailarino, performer e coreógrafo com trajetória internacional. Formado em Dança pela Universidade das Américas Puebla, atuou em companhias e projetos artísticos no México, Rússia, Países Baixos e diversos países da América Latina e Europa.

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O título faz referência à palavra francesa cadeau, pronunciada ‘kadô’, que significa presente ou oferenda. A montagem parte da ideia do ato de dar e receber para desenvolver uma sequência de situações que transitam entre o cotidiano e a imaginação.

Em cena, gestos, imagens e composições musicais convocam a reflexão sobre os vínculos humanos, os conflitos e as fragilidades compartilhadas. Ao longo da apresentação, elementos visuais e coreográficos estimulam diferentes leituras, convidando o público a reconhecer experiências e emoções presentes nas situações propostas.

 Criado durante o confinamento imposto pela pandemia, “Kadô” reúne obras concebidas naquele contexto e apresentadas como oferendas ao público. A criação também evidencia características da pesquisa artística desenvolvida por Denise Namura e Michael Bugdahn, marcada pelo diálogo entre diferentes linguagens cênicas e pela construção de uma relação direta com quem assiste ao espetáculo.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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Em “Véspera”, a coreografia de Christian Casarin explora a relação do corpo com o espaço a partir de variações de tempo e configuração. Com trilha de Antonio Vivaldi reinterpretada por Max Richter, a obra parte do simbolismo entre luz e escuridão para desenvolver contrastes singulares nos intérpretes.

Já “Desiderium”, criada por Thiago Bordin, inspira-se no termo latino que remete ao desejo profundo e à ausência, abordando sensações de perda, nostalgia e anseio, traduzidas em linguagem corporal.

Por fim, “Víbora”, que integra a trilogia iniciada com “Véspera” e “Vortex”, investiga o movimento como força de regeneração. Com trilha original de Fernando Dalla Nora, a coreografia articula camadas rítmicas em transformação contínua, conduzindo os intérpretes por estados que alternam rigor e espontaneidade, numa cena marcada pela energia coletiva.

Os ingressos estão disponíveis na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc SP.

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Com duração de 45 minutos e classificação indicativa a partir de cinco anos, o espetáculo parte da pergunta: “Se um sorriso negro traz felicidade, agora imagine muitos?”. Inspirada no livro “Flutuantes”, da escritora Rosana Rios, a criação investiga as corporalidades das crianças negras e transforma o riso em linguagem coreográfica.

Em cena, as artistas Paula Salles e Jô Pereira conduzem uma experiência em que rir também é dançar. O espetáculo propõe reflexões sobre a importância de garantir às crianças negras o direito à alegria, ao brincar e à existência plena, em um contexto social ainda marcado pelo racismo e pela violência contra crianças e adolescentes negros.

A Ouvindo Passos Cia de Dança desenvolve uma pesquisa artística denominada “Poéticas de Interferência”, na qual a dança se constrói a partir da criação de vínculos entre artistas e público. A companhia busca compreender de que maneira esses vínculos promovem o acesso à ancestralidade negra, bem como refletir sobre os recortes raciais que atravessam as experiências e relações na sociedade. Seus trabalhos adentram o universo da gestualidade como possibilidade de transformar o corpo em um território de conexões e sentidos, coreografando gestos a partir de falas, escutas, crenças e risos das pessoas.

A entrada é gratuita.

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