A produção aborda temas contemporâneos e urgentes, como o acesso à cultura como ferramenta de transformação social, os conflitos geracionais vividos por famílias da periferia e a construção de identidades por meio da arte. Ao mesmo tempo, o curta evidencia a força de uma comunidade que encontra no audiovisual uma forma de expressão, pertencimento e reconhecimento.

Mais do que contar uma história, “Luz, Câmera, Itaim!” funciona como um manifesto sobre a potência criativa existente nas bordas da cidade. O filme foi realizado por moradores de diferentes bairros periféricos que participaram da Turma 1 da Oficina Avançada de Cinema de São Paulo (OAC/SP), iniciativa que integra o projeto “A Arte que Salva”. Durante a formação, os participantes assumiram funções de roteiristas, diretores, técnicos e atores, tornando-se protagonistas de suas próprias narrativas.

O resultado é uma obra construída coletivamente, que transforma experiências reais em linguagem cinematográfica e reforça a importância do acesso à formação cultural e artística. Ao colocar em cena histórias vividas por quem habita esses territórios, o curta amplia a representatividade e fortalece vozes frequentemente ausentes dos espaços tradicionais de produção audiovisual.

Desenvolvido pela Yo!Filmes, com apoio da produtora OfiCine – Cinema e Audiovisual, o projeto demonstra como o cinema pode atuar como instrumento de inclusão, desenvolvimento pessoal e fortalecimento comunitário.

Produzido e escrito por Marcelo Di Márcio e dirigido por Marcela Moraes, a produção integra uma série de curtas realizados pelos alunos da primeira turma da OAC/SP, consolidando o audiovisual como ferramenta de expressão e transformação social.

No dia 02/07, haverá uma exibição especial com bate papo com o elenco e participantes, na sala de cinema do CEU Parque Veredas, localizado na rua Daniel Muller, 347, Chacara Dona Olivia.

Sinopse

No coração do Itaim Paulista, extremo leste de São Paulo, Marina é uma jovem cheia de inquietações e de histórias para contar. Quando descobre, ao lado dos amigos João e Ana, um curso gratuito de cinema na quebrada, enxerga ali a chance de transformar em imagem e som as narrativas tantas vezes silenciadas de sua comunidade.

Mas o entusiasmo logo esbarra na dura oposição de sua mãe, Cida, marcada por frustrações antigas e desconfiada das promessas da arte. Entre o sonho e o conflito familiar, Marina precisará descobrir, por si mesma, se a arte tem mesmo o poder de transformar vidas e curar feridas que o tempo não cuidou.

Ficha Técnica

Direção: Marcela Moraes

Argumento: Edy Peixe

Roteiro: Marcelo Di Márcio

Direção de Fotografia: Michael Neres

Direção de Arte: Juliana Campos

Som Direto: Laerte Figueiredo

Assistentes: Matheus Treib, Roger Nascimento (Pelé), Yasmin Gama

Produção: Yo!Filmes

Coprodução: OfiCine – Cinema e Audiovisual

Elenco: Mariana Antonelly (Marina), Rose Nogueira (Cida), Marcelo Di Márcio (Jorge), Graci La’Bella (Yonara), Iris Rodrigues (Ana), Diego Julião (João) e Mário Cortês (Professor).

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A estreia acontece com o longa-metragem “Love Kills”, produção brasileira que vem circulando por importantes festivais internacionais.

 O ‘Cineclubismo’ propõe transformar cada sessão em uma experiência coletiva. O público poderá acompanhar as projeções – tela de 3 por 6 metros (formato 16:9) – em cadeiras e espreguiçadeiras especialmente dispostas no espaço, além de desfrutar de um bar com drinks temáticos inspirados nas obras apresentadas. A programação também prevê debates, encontros e ações especiais voltadas aos fãs dos universos retratados nas telas.

A escolha de “Love Kills” para abrir o projeto reforça a proposta de apresentar produções contemporâneas que dialogam com diferentes públicos e tendências do cinema atual. Lançado em maio de 2026, o longa dirigido por Luiza Shelling Tubaldini adapta para as telas a graphic novel homônima criada por Danilo Beyruth em 2019 e explora o imaginário dos vampiros como metáfora para temas como trauma, exclusão social e construção de identidade.

Misturando romance, fantasia, ação e drama, “Love Kills” pode ser definido como uma ‘romantasia’, gênero que combina elementos românticos e fantásticos e que ganhou popularidade mundial com fenômenos como “Crepúsculo”. Na trama, ambientada em um centro de São Paulo marcado pela degradação urbana e pelas desigualdades sociais, a jovem vampira Helena frequenta um café misterioso da metrópole, despertando o interesse de um garçom que, aos poucos, é atraído para um universo de segredos, violência e paixões imortais.

Os ingressos estão disponíveis na plataforma INTI.

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Reconhecido por seu processo predominantemente artesanal, com paisagens deslumbrantes pintadas à mão e por incorporar a mitologia japonesa em suas histórias, o Studio Ghibli conquistou admiradores em todo o mundo ao criar personagens que atravessam gerações e seguem inspirando artistas, animadores e cinéfilos. Em seus filmes, o extraordinário surge de forma delicada no cotidiano, com espíritos da natureza e elementais das tradições milenares do país, interagindo com os personagens e muitas vezes guiando-os em jornadas de autoconhecimento e superação de desafios características do amadurecimento, onde a fronteira entre a magia e a imaginação inexistem.

A programação começa no dia 14 de junho, com “Ponyo”, que apresenta uma aventura repleta de cores e imaginação inspirada livremente no conto “A Pequena Sereia”. A história acompanha a amizade entre um garoto e uma peixe dourado determinada a se tornar humana. Considerado um dos trabalhos visualmente mais exuberantes de Miyazaki, o longa parte de uma história de amizade entre diferentes mundos, para uma jornada onde o respeito às forças da natureza torna-se o objetivo central.

Na semana seguinte, no dia 21, é a vez de “Meu Amigo Totoro”, obra que se tornou símbolo do estúdio e uma das animações mais importantes da história do cinema. O filme acompanha duas irmãs que se mudam para o interior do Japão e descobrem criaturas mágicas escondidas na floresta, que guiam as duas em uma jornada fantástica para atravessar a dor da ausência da mãe, que está em um hospital. Entre as criaturas está Totoro, personagem que se tornou mascote oficial do Studio Ghibli e um dos ícones mais reconhecidos da cultura pop japonesa.

Encerrando a programação, “O Serviço de Entregas da Kiki”, relato delicado sobre uma jovem aprendiz de bruxa que deixa a casa dos pais para iniciar sua vida adulta em uma cidade costeira, onde passa a trabalhar realizando entregas em sua vassoura voadora, acompanhada de seu simpático gatinho Jiji. Com sensibilidade e humor, o filme aborda os desafios dos jovens que buscam seu lugar no mundo e reflete sobre identidade ao colocar o talento e a criatividade da personagem como as chaves para seu crescimento e singularidade.

Os ingressos estarão disponíveis toda terça-feira anterior à exibição, às 17h na Central de Relacionamento Digital ou em qualquer unidade do Sesc às 17h das quartas-feiras. 

Além dos filmes, a programação conta com intervenções lúdicas gratuitas, para os pequenos e seus acompanhantes, no hall do CineSesc em todos os domingos, a partir das 14h. Estas atividades serão gratuitas.

Veja a programação a seguir:

Construção Criativa de Bonecos De Madeira, com Abraão Gouvea – Teatro de Marionetes | 14 de junho

• A oficina convida as crianças a mergulharem no universo do teatro de bonecos construindo seu próprio personagem, feito com base de madeira, braços e pernas de corda, olhos e cabelos aplicados com materiais leves e seguros. 

Oficina Criativa de Máscaras Espontâneas, com Caroline Olivsena e Daniel Lopes | 21 de junho

• A oficina propõe e provoca, através da criatividade, o reaproveitamento de materiais para confecção de máscaras teatrais não convencionais. Vamos testar os materiais, brincar e construir as nossas próprias máscaras.

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A primeira exibição dos dois filmes será realizada no dia 16 de junho. O solo selado será exibido às 18h, com uma fala de introdução da pesquisadora de cinema iraniano Eliane Arakaki, e Longe de casa, às 20h, com apresentação dos curadores Aaron Cutler e Mariana Shellard.

Os dois filmes voltam a ser projetados no dia 27 de junho, com sessões às 16h (“Longe de casa”) e às 18h (“O solo selado”). As sessões do dia 16 têm entrada gratuita, e os ingressos para as reprises, no dia 27, custam R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia).

Dirigidos por cineastas iranianos que viveram grande parte de suas vidas fora do país — inclusive nos anos que antecederam a Revolução Iraniana de 1979 —, os filmes abordam o sentimento de alienação por meio de personagens deslocados em relação ao meio social em que vivem.

“O Solo Selado” (1977) foi o primeiro longa-metragem independente dirigido por uma mulher no Irã. A cineasta iraniana Marva Nabili (1941) vivia nos Estados Unidos quando realizou o filme, uma obra híbrida entre documentário e ficção, feita com a participação de moradores de uma aldeia em seu país natal. A narrativa acompanha uma adolescente local, interpretada pela atriz profissional Flora Shabaviz, que resiste tanto às pressões tradicionais por casamento quanto à chegada de uma nova cidade moderna construída ao lado do vilarejo.

“Longe de Casa” (1975) foi o primeiro filme realizado na Alemanha Ocidental por Sohrab Shahid-Saless (1944–1998), um dos principais nomes da Nova Onda Iraniana. De forma minimalista, o filme retrata a vida monótona e solitária de um imigrante turco em Berlim Ocidental, trabalhador da indústria metalúrgica interpretado pelo ator iraniano Parviz Sayyad. Shahid-Saless trabalhou com atores não profissionais turcos residentes em uma cidade ainda marcada pela destruição da Segunda Guerra Mundial e se inspirou em suas próprias experiências como trabalhador imigrante na Europa.

A Sessão Mutual Films tem curadoria e produção de Aaron Cutler e Mariana Shellard. A versão restaurada em 4K de “Longe de casa” integra um projeto mais amplo da restauração e circulação dos filmes alemães de Sohrab Shahid-Saless e será apresentada com o apoio do Goethe-Institut. Já “O solo selado”, um dos raros filmes dirigidos pela cineasta Marva Nabili, chega ao Cinema do IMS Paulista graças ao trabalho da distribuidora norte-americana Venera Films.

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Na trama, Werther se apaixona por Charlotte, interpretada por Alison Pill. O obstáculo para esse romance é Albert, o noivo de Charlotte, vivido por Patrick J. Adams, conhecido pelo papel de Mike Ross na série “Suits”.

Em vez de seguir o caminho tradicional dos triângulos amorosos, o filme aposta em uma dinâmica inusitada: a rivalidade entre os dois homens dá lugar a uma amizade improvável, criando situações constrangedoras e bem-humoradas. A narrativa combina romance, humor e reflexões sobre amor, amizade e escolhas afetivas.

Com elenco de destaque e diálogos ágeis, “(Quase) O Amor da Minha Vida” apresenta uma abordagem contemporânea do gênero, explorando as complexidades dos relacionamentos por meio de uma comédia romântica leve e inteligente.

Mais informçações sobre a estreia, sessões e ingressos, consulte o site da PlayArte Cinemas.

Ficha Técnica:

Título: (Quase) O Amor da Minha Vida (Young Werther)
Direção e Roteiro: José Avelino Gilles Corbett Lourenço
Elenco: Douglas Booth, Alison Pill, Patrick J. Adams e Iris Apatow
Gênero: Comédia Romântica
Duração: 101 min.
Distribuição: PlayArte Pictures
Classificação: 16 anos
Estreia: 11 de junho de 2026

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O Shopping Penha recebe a primeira edição de 2026 na sexta-feira, 12 de junho, Dia dos Namorados, com duas sessões gratuitas. A programação no Shopping Penha traz dois longas-metragens românticos para ‘embalar’ a data dedicada aos casais – e são ótimas sugestões também para amigos e famílias.

“Todos Menos Você” abre a programação às 19h30. Uma comédia romântica que traz dois solteiros que fingem ser um casal durante uma viagem. Estrelado pela popular Sydney Sweeney e Glen Powell, o filme se tornou a adaptação de uma obra de William Shakespeare de maior sucesso da história do cinema.

Na sequência, a deslumbrante adaptação em live-action de “A Bela e a Fera” às 22h. Uma releitura realista e em grande da clássica fábula dos estúdios Disney, sobre a jovem Bela aprisionada no castelo de uma fera, onde aprende a enxergar além das aparências.

Cada sessão no Shopping Penha terá 60 vagas para carros. O ingresso é válido por veículo e estão disponíveis no site do Cine Autorama, onde também é possível consultar a programação dos filmes e sessões.

​​Pedestres que não possuem carro, também podem vivenciar a experiência da telona de cinema ao ar livre. O Cine Autorama oferece mini plateia com cerca de 20 cadeiras, ampliando o acesso. Neste caso, não é necessário reserva de ingresso, a ocupação é por ordem de chegada.

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Com entrada gratuita, o evento reúne produções audiovisuais de até quatro minutos que abordam temas como mudanças climáticas, urbanismo, reciclagem, rios urbanos e iniciativas comunitárias em cidades com mais de um milhão de habitantes.

Criado há 11 anos pela organização francesa Métropole du Grand Paris, o festival passou a ter edição brasileira em 2022 por meio da plataforma multimídia São Paulo São, idealizada pelo jornalista e documentarista Mauricio Machado. A programação inclui a exibição dos filmes finalistas, debates e a premiação das produções selecionadas.

Entre os curtas escolhidos para a edição deste ano está “Impacta Oceano: Mangue é Vida”, produção gravada em Vitória (ES), onde está localizado o maior manguezal urbano do Brasil. O documentário apresenta iniciativas ligadas à preservação dos manguezais capixabas e à chamada Economia Azul, conceito baseado no uso sustentável dos recursos marinhos e costeiros.

A produção mostra experiências desenvolvidas por pesquisadores, marisqueiras e comunidades tradicionais do Espírito Santo, incluindo projetos de reaproveitamento de resíduos de mariscos para produção de insumos agrícolas e ações voltadas à conservação marinha e à geração de renda em territórios costeiros. 

Além do documentário capixaba, a mostra reúne produções de diferentes países e regiões do Brasil voltadas à recuperação ambiental e à ocupação sustentável das cidades. Entre os destaques estão “Rios Invisíveis”, dirigido por Tadeu Jungle, “Onde Eu Nasci Passa um Rio”, de Sofia Byington, e “Águas de Memória”, sobre o projeto Meninos da Billings.

O festival também relembra filmes que marcaram edições anteriores, como “The Planter”, vencedor de 2017, sobre o morador da zona leste de São Paulo que plantou mais de 20 mil árvores no Parque Tiquatira, e “Bidon Vil”, do Congo, que retrata um artista responsável por transformar resíduos plásticos em brinquedos para crianças.

A programação do “MegaCities ShortDocs” inclui ainda o pré-lançamento do livro “Direito à Cidade”, do urbanista franco-colombiano Carlos Moreno, conhecido internacionalmente pelo conceito de “Cidade de 15 Minutos”, além do lançamento de uma campanha de combate à violência contra a mulher idealizada pela ONG Turma do Bem em parceria com o projeto 1000 Palavras.

Os ingressos são gratuitos e podem ser retirados uma hora antes do início da sessão.

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Durante toda a madrugada, duas salas do cinema exibem uma sequência de três filmes do diretor espanhol, sendo um deles o lançamento “Natal Amargo” (Amarga Navidad), drama que estreou na 79ª edição do Festival de Cannes, na França, realizado de 12 a 23 de maio.

No longa, que entra em cartaz no Brasil também nesta sexta, Elsa (Bárbara Lennie) é uma cineasta que, por motivos financeiros, opta por trabalhar com publicidade.

Depois da morte da mãe, em dezembro, ela se refugia no trabalho, mas começa a ter crises de enxaqueca cada vez mais fortes, o que a obriga a fazer uma pausa para descansar. Por isso, ela decide viajar para Lançarote, nas Ilhas Canárias (Espanha), com a amiga Patricia (Victoria Luengo).

Lá, sua história se entrelaça com a do diretor de cinema Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), que prepara um novo roteiro, depois de ficar sem filmar por cinco anos.

Ele tem uma vida afetiva complicada, que se mistura com a profissional: tem como assistentes Santi (Quim Gutiérrez), seu companheiro, e Mónica (Aitana Sanchez-Gijón), com quem teve uma relação anteriormente.

Aos poucos, percebe-se que Raúl se aproveita de pessoas e situações reais para escrever seus roteiros de ficção, o que fica claro quando são apresentados personagens que têm tudo a ver com Elsa, seu namorado Bonifácio (Patrick Criado) e Patrícia. Essa situação acaba revelando como realidade e ficção podem se conectar de forma dolorosa.

Baseado em uma das tramas do livro de contos “O Último Sonho”, lançado por Almodóvar no Brasil em 2024, o filme não recebeu nenhum prêmio no festival.

NOITÃO DE CINEMA

“Natal Amargo” é o primeiro filme a ser exibido no “Noitão Almodóvar” do Belas Artes, às 23h30 (sala 2, Carmen Miranda) e às 23h59 (sala 1, Leon Cakoff).

Cartaz do Filme “Natal Amargo”, de Pedro Almodóvar. | Foto: Divulgação

Na sequência, às 2h10, a sala 1, rebatizada como “Agrado”, apresenta “Tudo Sobre Minha Mãe” (Todo Sobre Mi Madre), de 1999.

A comédia dramática conta a história do jovem Esteban (Eloy Azorín) que, no dia de seu aniversário de 17 anos, ganha da mãe, Manuela (Cecilia Roth), um ingresso para a peça “Um Bonde Chamado Desejo”, estrelada por Huma Rojo (Marisa Paredes). Ao tentar pegar um autógrafo, o rapaz é atropelado e morre.

Depois disso, Manuela procura o pai do menino, que vive em Barcelona, para dar a notícia, e conhece uma série de pessoas interessantes.

Na sala 2, renomeada como “Gazpacho”, o segundo filme da noite é “Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos” (Mujeres al borde de un Ataque de Nervios), de 1988, exibido a partir de 1h40.

Baseado na peça francesa “A Voz Humana” (1930), de Jean Cocteau, o longa narra a tentativa desesperada de uma mulher, Pepa Marcos (Carmen Maura), de evitar ser abandonada por seu amante, Ivan (Fernando Guillén). No elenco, também estão María Barranco, Antonio Banderas, Rossy de Palma, Kiti Manver e Julieta Serrano.

A noite termina com filmes ‘surpresa’ do diretor, às 3h30 (sala 2) e às 4h05 (sala 1).

Os ingressos, com taxas incluídas, custam de R$ 44,80 (meia) a R$ 89,60, e estão à venda na bilheteria e nestes links: sala 1 e sala 2.

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Com atmosfera de suspense e tensão psicológica, o longa desenvolve a trama a partir dos acontecimentos sobrenaturais que começam a cercar os protagonistas após o acidente. A perseguição da entidade transforma a viagem em uma corrida pela sobrevivência, marcada por eventos inexplicáveis e situações de terror.

O filme aposta em elementos clássicos do gênero, como perseguições, fenômenos paranormais e clima de mistério, para construir a narrativa de horror sobrenatural.

Os ingressos para assistir “Passageiro do Mal!” podem ser adquiridos clicando aqui.

Ficha Técnica:

Título: Passenger

Direção: André Øvredal

Elenco: Jacob Scipio, Lou Llobell e Melissa Leo

Gênero: Terror

Duração: 1 hora e 34 minutos

Classificação: 16 anos

Estreia: 21 de maio de 2026

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Conhecido por uma obra que combina humor e crítica social, Giorgetti cursou filosofia na USP. Entre os anos de 1963 a 1965, e começou no audiovisual fazendo filmes publicitários para a TV, mas logo passou também a realizar documentários e longas metragens de ficção e, desde 1995, em sua própria produtora, a SP Filmes de São Paulo.

“Alberto Dines – Vínculos de Liberdade” aborda a carreira do jornalista falecido em 2018, resgatando sua história por meio de um rico material de arquivo, além de novas entrevistas com amigos, colegas e jornalistas falando da importância de Dines para a imprensa nacional, e sua carreira que começou nos anos de 1950.

Com passagem por veículos como Visão, Diário da Noite, Jornal do Brasil, Folha de S. Paulo, no qual criou a histórica coluna “O Jornal dos Jornais”, embrião do Observatório da Imprensa e do Labjor / Unicamp, Alberto Dines é autor dos livros “Morte no paraíso, A tragédia de Stefan Zweig” (1981) e “O papel do jornal: Uma releitura” (1986). O filme conta com depoimentos inéditos, entre outros, de Norma Couri, jornalista e viúva de Dines, Juca Kfouri, Fernando Gabeira e Carlos Vogt, presidente da Fundação Conrado Wessel, financiadora do documentário, cuja produção é assinada pela SP Filmes de São Paulo.

 A retrospectiva de Giorgetti conta com obras marcantes de sua filmografia, como “Boleiros – Era uma vez o futebol” (1988) e “Boleiros 2 – Vencedores e Vencidos” (2006), “Sábado” (1994) e “O Príncipe” (2002).

 A obra do cineasta coloca em evidência a cidade como mais do que um cenário, também, como protagonista. Em “Uma Noite em Sampa” (2016), um grupo do interior vem ao teatro em São Paulo e fica trancado fora do ônibus quando o motorista desaparece. Já a comédia “Sábado” acompanha as filmagens caóticas de um comercial no saguão de um edifício no centro de São Paulo.

“Dora e Gabriel” (2020), a ficção mais recente do cineasta é outro filme com presença forte de São Paulo. Protagonizada por Ary França, que interpreta um libanês vivendo há anos em São Paulo e que sofre um sequestro relâmpago. Uma mulher (Nathalia Gonsales) que passava na rua e viu tudo, também é colocada ali. Sem nunca terem se visto antes, dividem o mesmo espaço, e pensam em maneiras de sair vivos dali.

Veja a programação completa no website do Espaço Petrobrás.

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